portatamassima

OGNI LIMITE HA UNA PAZIENZA

2009-12-14T01:34:00.004+01:00

OGNI LIMITE HA UNA PAZIENZA
(Esperienze non lineari del tempo)
IUAV - CLaSAV - Laboratorio di Arti Visive di Cesare Pietroiusti e
Filipa Ramos - mostra di fine corso

programma:

DOMENICA 13/12/2009
19:15 Gervasuti Foundation
Viviana Bifera (performance privata e non aperta al pubblico)
MARTEDÌ 15/12/2009
15:30 Magazzini Ligabue (Dorsoduro 3464)
Martina Melilli (con Alain della Savia)
17:00/17:30/18:00 Ambulatorio veterinario (Dorsoduro 1419)
Suambra Strumendo
20:30 Centro culturale Zitelle CZ95 (Giudecca 95)
Sesta Persona Singolare; Alessandra Messali

MERCOLEDÌ 16/12/2009
15:00 Chiesa degli Scalzi
Suambra Strumendo
18:00>23:00 Fondamenta dell’Arsenale
Violette Maillard (fino al 20/12/2009)
GIOVEDÌ 17/12/2009
15:00>17:00 Magazzini Ligabue (Dorsoduro 3464)
Nicholas Ferrara
16:30>19:00 Corte dell’Anatomia 1051A (Campo San Giacomo dell’Orio)
Chiara Vitali
18:00>21:00 Scala Mata (Cannaregio 1236)
Pino Pascali; Claire Bosi; Antonella Campisi; Andrea Cazzagon;
ElisaCaldana; Ivana Ivanova;
Francesco Locatelli; Michela Lupieri/Valeria Mancinelli/Stefania
Rispoli; Elena Mazzi
Claudia Reato; Manuela Romanato; Claudia Rossini; Genny Sangiorgio;
Chiara Vitali;
19:00>21:00 Metri Cubi (Campo San Polo 2003)
Marta Pettinau
21:00>23:00 S.a.L.E. (Dorsoduro 265)
Marta Berton; Giulia Gabrielli
Martina Melilli; Suambra Strumendo
VENERDÌ 18/12/2009
11:00/15:00 Ospedale S.Giovanni e Paolo (Castello 6777)
Suambra Strumendo
19:00 Gervasuti Foundation (Castello 994)
Riccardo Banfi; Roberta Bernasconi; Marta Berton; Viviana Bifera;
Paola Bonino/Laura De Nicolantonio; Sonia Borsoi
Elisa Caldana; Samuele Cherubini; Cinzia Delnevo (con Salvatore Lauriola);
Marco Di Giuseppe; Cecilia Divizia; Andrea Fabbro; Maria Elena
Fantoni; Roberto Fassone;
Francesco Federici/Chiara Nuzzi/Camilla Salvaneschi; Giulia Gabrielli;
Chiara Gaspardo; Martino Genchi; Myriam Graziosi; Ivana Ivanova;
Alessandra Messali;
Lorenzo Mazzi; Valentina Ornaghi/Claudio Prestinari; Enrico Poli;
Silvia Pigozzo;
Valentina Roselli; Alessio Sacchetto/Valerio Veneruso; Chiara
Trivelli; Nicola Turrini;
Natasa Vasiljevic; Chiara Zenzani
21:00 Giardini
Giacomo Colosi

con la partecipazione di Iacopo Seri

Lezione 23.11.2009. Riassunto di Chiara Vitali

2009-12-10T09:15:00.002+01:00

La lezione si è incentrata su un’analisi della rappresentazione filmica del tempo onirico, un tempo molto più legato alla realtà psicologica che alla cronologia. La visione di Meshes of the Afternoon - cortometraggio di Maya Deren - e dell’inizio di Il Posto delle Fragole di Ingmar Bergman, ci ha permesso di riflettere sul sogno come esperienza di tempo non lineare estremamente articolata e complessa, sia attraverso una condivisione di gruppo sulla propria esperienza personale, sia attraverso le teorie di Freud e Lacan e inoltre di individuare alcune differenze tra la rappresentazione del tempo nel cinema classico d’autore e nel cinema sperimentale in termini di linguaggio cinematografico.

Presupposti teorici psicanalitici

TEORIA DEI SOGNI DI FREUD
A) Teoria del residuo diurno
Ogni sogno parte da un elemento occasionale accidentale della realtà che per qualche motivo, anche casuale, ha catturato la nostra attenzione (es. il cadere delle chiavi dalla scala, è un evento centrale nel film, scatenante della futura dimensione onirica che sarà anche legata al suono delle chiavi che cadono. È come se le chiavi si fossero attaccate nella mente a riferimenti simbolici e sensoriali, che quindi ritornano nel sogno in una ricorrenza di rimandi a specchio)

B) Condensazione e spostamento
Sia in termini spaziali che temporali nel sognare si verificano 2 processi:

CONDENSAZIONE: Vari elementi che si ritrovano in uno
(es. coltello-specchio-chiave nel film di Deren, oppure un personaggio che in realtà si riferisce ad un’altra persona)

Corrisponde alla METAFORA

Es. "nido d'amore": nido= metafora di piacere, protezione ecc.

SPOSTAMENTO: Un elemento spostato su un’altra cosa
(es. aggressività spostata su un oggetto o su una terza persona)
Corrisponde alla METONIMIA
Una parte per il tutto
Es. “Marta è una bionda”: il colore dei capelli è solo una delle caratteristiche di Marta, ma è usata per riferirsi a tutta la persona

TEORIA DELLA FASE DELLO SPECCHIO DI LACAN
La soggettività non è solamente collegabile a un’esperienza interiore del soggetto o alla sua entità corporea e genetica, ma si costituisce anche fuori dal soggetto. L’identità è tanto una funzione interna che esterna all’individuo. Ci sono due momenti fondamentali che riguardano la funzione esterna e che determinano la soggettività dell’individuo:
1) lo sguardo dell’altro (la madre, il suo sorriso = affetto, rassicurazione, comunicazione con l’altro. È essenziale per la considerazione e la fiducia in sé che il bambino svilupperà crescendo, ma anche per l’adulto lo sguardo, il sorriso, il riconoscimento dell’altro è fondamentale. L’uomo è l’unico essere umano che produce la funzione chiamata sorriso con i muscoli facciali. Es. nel film la donna vede se stessa solo ponendosi al di fuori di sé, come osservatrice, come se fosse un’altra persona)
2) vedersi allo specchio (a circa 6 mesi il bambino ha per la prima volta una percezione unitaria di sé guardandosi allo specchio ed essendo in grado di riconoscersi grazie a un’immagine riflessa, altrimenti non si riconoscerebbe come un’unità. Es. vedi nel film l’inizio presenta solo un’ombra e un corpo frammentato che gradualmente si delinea)

Maya Deren
Film-maker newyorkese attiva dal ’43 al ’50.
Deren ha fatto solo pochi film, lavorando in grande isolamento, fuori dai circuiti dell’emergente industria del cinema hollywoodiano.

Meshes of the Afternoon (N.B. mesh= network, net, web, entanglement)
Cortometraggio del ’43, girato a Los Angeles, durata: 15 min. Muto.
Tema: rapporto tra realtà, sogno e finzione cinematografica. Ma si tratta preminentemente di un film sul cinema.

Tanto a livello di struttura che di contenuto vi è un sovrapporsi e un intersecarsi dell’elemento simbolico (specchio), strutturale (cinema), tematico-narrativo (sogno) che portano in una direzione di DISTANZA dal sé, cioè vedere se stessi da un punto di vista altro attraverso una proiezione fuori dal sé. Vi è un continuo gioco tra questi diversi piani e una CICLICITA’, una RICORRENZA fatta di continui rimandi a scene e a oggetti seppure con differenze, alternata a interruzioni brusche (tipiche degli incubi) nella creazione di una distanza potenzialmente infinita, in un intersecarsi di piani temporali che non si raggiungono mai del tutto in una creazione multipla di distanze, perché dato un piano vi si può costruire sopra un meta-livello e così via in un infinito gioco di specchi (vedi i frammenti dello specchio, la lama del coltello, la faccia dell’altro che sei tu). La continua reversibilità tra il prima e il dopo determina naturalmente anche una reversibilità dei rapporti tra causa ed effetto per cui la struttura narrativa non segue un tempo lineare, ma onirico e psicologico riferito alla molteplicità dell’esperienza.

SULLA DISTANZA DAL SE’
Questo concetto si può applicare a diverse riflessioni di carattere generale sull’arte, sulla cultura e su atteggiamenti come il razzismo, purtroppo ancora attuali ai giorni nostri.
ARTE - L’operazione artistica funziona con questa stessa creazione di distanza tra il pensare una cosa e portare avanti un conseguente progetto e interagire con gli altri. Fare le cose creando uno spazio critico, una distanza che ti pone in due posti contemporaneamente, dentro il tuo progetto e fuori. Riesci a farlo solo se hai la possibilità di una sponda: nelle relazioni e situazioni riesci a vedere una cosa solo se ti metti nei panni di qualcun altro. Riesci a farlo solo se hai una dimensione affettiva: se provi affetto per qualcuno riesci più facilmente a metterti nei suoi panni, poi fondamentale è la fiducia. L’affetto quindi è anche un canale che ti porta a distanza da te. È il movimento che fa l’artista rispetto a cose qualunque. Significa saper osservare da fuori (da un lato essere convinti, dall’altro saper smontare criticamente un proprio lavoro, vedere i limiti). La distanza critica non è indifferenza, anzi è il contrario. È una tensione interiore che si crea sfidando la propria intenzione: da un lato la si potenzia al massimo, dall’altro la si critica per potenziarla ancora di più (in questo somiglia al gioco di coppia). Parlare di sé è già creare questa distanza.
CULTURA – di base c’è l’idea sbagliata di definire l’identità come una cosa conchiusa, ma in realtà l’identità dipende strutturalmente dal suo opposto. La cultura non può essere definita in termini culturali e genetici, ma si può definire solo in base all’altro da sé. Per questa ragione la reazione razzista è fobica perché si ha paura di ammettere che l’altro è essenziale per la definizione della propria identità, è necessario che ci sia ma nello stesso tempo disloca.

Differenze tra il linguaggio cinematografico di Bergman e di Deren
In Bergman la presenza di una voce narrante si accompagna a una narrazione che si snoda secondo un tempo cronologico lineare che pone lo spettatore al di fuori della narrazione in un ruolo passivo di osservatore esterno, testimone di una finzione facilmente comprensibile. Deren invece, proponendo una sovrapposizione e una compenetrazione di diversi piani (sogno, finzione cinematografica, realtà), non solo mette in discussione la differenza tra il piano del sogno e il piano della realtà, ma mette anche in discussione il linguaggio filmico stesso, rendendolo di fatto più vicino alla densità della realtà psicologica dello spettatore e paradossalmente per questo da lui non immediatamente decifrabile (si è rivelata preziosa una seconda visione del film). Lo spettatore nel suo interrogarsi sui significati di questo narrare attraverso piani sovrapposti si fa osservatore attivo, interno al film.

Lezione 23.11.2009. Riassunto di Chiara Vitali

2009-12-09T23:49:00.002+01:00

La lezione si è incentrata su un’analisi della rappresentazione filmica del tempo onirico, un tempo molto più legato alla realtà psicologica che alla cronologia. La visione di Meshes of the Afternoon - cortometraggio di Maya Deren - e dell’inizio di Il Posto delle Fragole di Ingmar Bergman, ci ha permesso di riflettere sul sogno come esperienza di tempo non lineare estremamente articolata e complessa, sia attraverso una condivisione di gruppo sulla propria esperienza personale, sia attraverso le teorie di Freud e Lacan e inoltre di individuare alcune differenze tra la rappresentazione del tempo nel cinema classico d’autore e nel cinema sperimentale in termini di linguaggio cinematografico.

Presupposti teorici psicanalitici

TEORIA DEI SOGNI DI FREUD
A) Teoria del residuo diurno
Ogni sogno parte da un elemento occasionale accidentale della realtà che per qualche motivo, anche casuale, ha catturato la nostra attenzione (es. il cadere delle chiavi dalla scala, è un evento centrale nel film, scatenante della futura dimensione onirica che sarà anche legata al suono delle chiavi che cadono. È come se le chiavi si fossero attaccate nella mente a riferimenti simbolici e sensoriali, che quindi ritornano nel sogno in una ricorrenza di rimandi a specchio)

B) Condensazione e spostamento
Sia in termini spaziali che temporali nel sognare si verificano 2 processi:

CONDENSAZIONE: Vari elementi che si ritrovano in uno
(es. coltello-specchio-chiave nel film di Deren, oppure un personaggio che in realtà si riferisce ad un’altra persona)

Corrisponde alla METAFORA

Es. "nido d0amore": nideo= metafora di piacere, protezione ecc.

SPOSTAMENTO: Un elemento spostato su un’altra cosa
(es. aggressività spostata su un oggetto o su una terza persona)
Corrisponde alla METONIMIA
Una parte per il tutto
Es. “Marta è una bionda”: il colore dei capelli è solo una delle caratteristiche di Marta, ma è usata per riferirsi a tutta la persona

TEORIA DELLA FASE DELLO SPECCHIO DI LACAN
La soggettività non è solamente collegabile a un’esperienza interiore del soggetto o alla sua entità corporea e genetica, ma si costituisce anche fuori dal soggetto. L’identità è tanto una funzione interna che esterna all’individuo. Ci sono due momenti fondamentali che riguardano la funzione esterna e che determinano la soggettività dell’individuo:
1) lo sguardo dell’altro (la madre, il suo sorriso = affetto, rassicurazione, comunicazione con l’altro. È essenziale per la considerazione e la fiducia in sé che il bambino svilupperà crescendo, ma anche per l’adulto lo sguardo, il sorriso, il riconoscimento dell’altro è fondamentale. L’uomo è l’unico essere umano che produce la funzione chiamata sorriso con i muscoli facciali. Es. nel film la donna vede se stessa solo ponendosi al di fuori di sé, come osservatrice, come se fosse un’altra persona)
2) vedersi allo specchio (a circa 6 mesi il bambino ha per la prima volta una percezione unitaria di sé guardandosi allo specchio ed essendo in grado di riconoscersi grazie a un’immagine riflessa, altrimenti non si riconoscerebbe come un’unità. Es. vedi nel film l’inizio presenta solo un’ombra e un corpo frammentato che gradualmente si delinea)

Maya Deren
Film-maker newyorkese attiva dal ’43 al ’50.
Deren ha fatto solo pochi film, lavorando in grande isolamento, fuori dai circuiti dell’emergente industria del cinema hollywoodiano.

Meshes of the Afternoon (N.B. mesh= network, net, web, entanglement)
Cortometraggio del ’43, girato a Los Angeles, durata: 15 min. Muto.
Tema: rapporto tra realtà, sogno e finzione cinematografica. Ma si tratta preminentemente di un film sul cinema.

Tanto a livello di struttura che di contenuto vi è un sovrapporsi e un intersecarsi dell’elemento simbolico (specchio), strutturale (cinema), tematico-narrativo (sogno) che portano in una direzione di DISTANZA dal sé, cioè vedere se stessi da un punto di vista altro attraverso una proiezione fuori dal sé. Vi è un continuo gioco tra questi diversi piani e una CICLICITA’, una RICORRENZA fatta di continui rimandi a scene e a oggetti seppure con differenze, alternata a interruzioni brusche (tipiche degli incubi) nella creazione di una distanza potenzialmente infinita, in un intersecarsi di piani temporali che non si raggiungono mai del tutto in una creazione multipla di distanze, perché dato un piano vi si può costruire sopra un meta-livello e così via in un infinito gioco di specchi (vedi i frammenti dello specchio, la lama del coltello, la faccia dell’altro che sei tu). La continua reversibilità tra il prima e il dopo determina naturalmente anche una reversibilità dei rapporti tra causa ed effetto per cui la struttura narrativa non segue un tempo lineare, ma onirico e psicologico riferito alla molteplicità dell’esperienza.

SULLA DISTANZA DAL SE’
Questo concetto si può applicare a diverse riflessioni di carattere generale sull’arte, sulla cultura e su atteggiamenti come il razzismo, purtroppo ancora attuali ai giorni nostri.
ARTE - L’operazione artistica funziona con questa stessa creazione di distanza tra il pensare una cosa e portare avanti un conseguente progetto e interagire con gli altri. Fare le cose creando uno spazio critico, una distanza che ti pone in due posti contemporaneamente, dentro il tuo progetto e fuori. Riesci a farlo solo se hai la possibilità di una sponda: nelle relazioni e situazioni riesci a vedere una cosa solo se ti metti nei panni di qualcun altro. Riesci a farlo solo se hai una dimensione affettiva: se provi affetto per qualcuno riesci più facilmente a metterti nei suoi panni, poi fondamentale è la fiducia. L’affetto quindi è anche un canale che ti porta a distanza da te. È il movimento che fa l’artista rispetto a cose qualunque. Significa saper osservare da fuori (da un lato essere convinti, dall’altro saper smontare criticamente un proprio lavoro, vedere i limiti). La distanza critica non è indifferenza, anzi è il contrario. È una tensione interiore che si crea sfidando la propria intenzione: da un lato la si potenzia al massimo, dall’altro la si critica per potenziarla ancora di più (in questo somiglia al gioco di coppia). Parlare di sé è già creare questa distanza.
CULTURA – di base c’è l’idea sbagliata di definire l’identità come una cosa conchiusa, ma in realtà l’identità dipende strutturalmente dal suo opposto. La cultura non può essere definita in termini culturali e genetici, ma si può definire solo in base all’altro da sé. Per questa ragione la reazione razzista è fobica perché si ha paura di ammettere che l’altro è essenziale per la definizione della propria identità, è necessario che ci sia ma nello stesso tempo disloca.

Differenze tra il linguaggio cinematografico di Bergman e di Deren
In Bergman la presenza di una voce narrante si accompagna a una narrazione che si snoda secondo un tempo cronologico lineare che pone lo spettatore al di fuori della narrazione in un ruolo passivo di osservatore esterno, testimone di una finzione facilmente comprensibile. Deren invece, proponendo una sovrapposizione e una compenetrazione di diversi piani (sogno, finzione cinematografica, realtà), non solo mette in discussione la differenza tra il piano del sogno e il piano della realtà, ma mette anche in discussione il linguaggio filmico stesso, rendendolo di fatto più vicino alla densità della realtà psicologica dello spettatore e paradossalmente per questo da lui non immediatamente decifrabile (si è rivelata preziosa una seconda visione del film). Lo spettatore nel suo interrogarsi sui significati di questo narrare attraverso piani sovrapposti si fa osservatore attivo, interno al film.

Lezioni del 10 e del 12 ottobre. sintesi dei progetti. parte 1

2009-11-21T19:35:00.000+01:00

Maria Elena> il progetto si svolge attorno al concetto di attesa e prende ispirazione dall'esperienza del terremoto a L'Aquila. L'opera prevede la costruzione di un cubo avvolto da una rete metallica e si propone di conferire al fruitore un'esperienza di protezione e allo stesso tempo di disagio.

Chiara G. > il progetto coinvolge gli studenti del corso e sarà anticipato da una pre-mostra. Per questo motivo non è possibile sapere ancora i dettagli dell'opera.

Valentina R. > il progetto si propone di cambiare il tempo di un libro. Partendo dal tema della biblioteca e dall'analisi di due libri in particolare (Factotum di Bukowski e Oggi è un altro giorno Jessica di Angelo Pietrosino) l'opera prevede una sorta di compenetrazione dei due testi che si realizza con la riscrittura del libro di Bukowski nel quale tutti i nomi delle prostitute saranno scambiati con quelli di Jessica.

Lorenzo > il progetto prevede la costruzione di un orologio da parete in cui la lancetta dell'ora impieghi ottantacinque anni a compiere un giro intero. Gli ottantacinque anni rappresentano l'aspettativa di vita di Lorenzo. L'orologio rappresenta lo scorrere della sua vita che incomincia a mezzogiorno e si conclude a mezzanotte.

Andrea > il progetto prevede una video-installazione in cui due differenti video (della medesima durata) proiettino a metà del loro percorso la stessa immagine.

Leonardo, Enrico, Letizia, MariaIda, Aurora, Chiara > il progetto si fonda sulla volontà di svolgere un'intervista al filosofo Giorgio Agamben sul tema della non linearità del tempo.

Violette > il progetto prevede un'installazione al buio su una zattera. Gli spettatori salgono uno alla volta e rimangono per un tempo a loro scelta. Il buio amplifica i sensi creando nel visitatore una sorta di disorientamento spazio-temporale.

Manuela > il progetto consiste in una performance nella quale Manuela riscriverà una tela dell'artista Roman Opalka, trasformando le cifre in lettere. La performance vuole essere un omaggio all'artista polacco e si propone di fornire una lettura della spazializzazione del tempo.

Antonella > il progetto si svolge attorno al tema del racconto e in modo particolare attorno al racconto del viaggio di nozze, tappa fondamentale nella vita di una donna. Alcuni racconti sono registrati e riscritti successivamente sulla carta velina o sulla carta carbone tramite l'utilizzo della macchina da scrivere.

Claudia > il progetto consiste in una performance fortemente legata alla tecnica del ricamo e al tema del limbo della conoscenza. Claudia durante il giorno ricamerà su una tela per poi disfarla di notte.

Claudia> il progetto nasce da una riflessione sull'ora ambigua e sul fuso orario e si concretizza in una serie di fotogrammi scattati ogni ora nelle diverse parti del mondo tra il 24 e il 26 ottobre del 2009, sfruttando il passaggio da ora legale ad ora solare.

Jacopo > il progetto si propone di mettere in relazione le tematiche dell'arte contemporanea e del lavoro. Sostanzialmente Jacopo si propone come "artista alla pari".

Roberto > il progetto consiste in una performance nella quale Roberto si asterrà per 45 giorni dal parlar male di chiunque riversando su carta tutte le cose negative che avrebbe detto e riscrivendole ogni volta a partire dalla prima.

Samuele > il progetto prevede un'installazione 3d che ha come tema principale l'incontro/scontro tra natura tecnologica e tecnologia naturale e tra il 3d e l'energia solare. Il progetto si concretizza in un'animazione di durata indeterminata che dipende dal sorgere del sole, momento in cui si concluderà il video.

Laura, Paola > il progetto è di natura curatoriale e si propone di aprire una riflessione sul concetto di contemporaneità e sull'essere contemporanei partendo dagli scritti del filosofo Giorgio Agamben. Parallelamente Laura e Paola lavorano e analizzano i progetti degli altri studenti del corso riscontrando affinità e differenze.

Nicolas > il progetto consiste nella costruzione di un' installazione in cui entrino in relazione il tempo sonoro dell'ambiente e il tempo individuale dello spettatore tramite la modulazione delle frequenze e delle intensità.

Andrea > il progetto nasce dall'idea di costruire un orologio a tendina nella stazione di Venezia che possa contare il tempo di un altro pianeta creando disorientamento nei passanti.

Valeria, Michela, Stefania > il progetto è di natura curatoriale e si propone di aprire una riflessione sui tempi del museo, sul tempo della mostra e sul tempo dell' opera, compiendo un' analisi approfondita su tre musei italiani.

Giulia > il progetto consiste in un' animazione basata sul concetto di anti-narrazione e cerca di rappresentare visualmente la compresenza tra passato, presente e futuro. Il soggetto è un brodetto primordiale in cui si alternano immagini naturali ed immagini umane.

Alessio, Valerio > il progetto consiste in un' installazione interattiva al buio. All' interno di essa ci sono due schermi: in uno è visualizzato un serpente che si mangia la coda (rappresentazione del tempo ciclico), mentre nell'altro c'è un serpente che si trasforma a seconda delle interferenze che avvengono all' interno dell'installazione stessa.

Nicola > il progetto nasce da una riflessione sull' archivio della memoria. Concretamente Nicola farà un salvataggio reiterato di alcune immagini di natura familiare. Questa ripetizione causerà una perdita di informazioni dell' immagine provocandone una progressiva cancellazione. In questo modo il potere decisionale sul prodotto finale è drasticamente ridotto.

Chiara, Francesco, Camilla > il progetto nasce a seguito di una riflessione sugli oggetti d' uso quotidiano. La volontà è quella di distruggere il flusso di questi oggetti e di trasformarli in soggetti, tramite una perdita volontaria.

Suambra > il progetto coinvolgerà la classe e nasce da una riflessione sull' attesa e sulle sale d'attesa, nelle quali Suambra ha raccolto diverse suggestioni.

Roberta > il progetto nasce da una ricerca sul limite tra curatela e prodotto artistico. Il tema è quello dell'anzianità e Roberta è interessata a coinvolgere degli studenti dell' Università della Terza Età a seguire delle lezioni sull' arte contemporanea e a partecipare a delle visite guidate.

Maria Elena > il progetto si svolge attorno al tema dei "fantasmi del vivente", ossia dei fantasmi di persone che vivono. Concretamente Maria Elena analizza immagini di vecchi filmati e lavora su una tecnica fotografica che parte dai negativi (cianotipo).

Nico > il progetto si sviluppa attorno ai concetti di "tempo filmico" e "spessore filmico" e probabilmente andrà a coinvolgere la classe.

Myriam > il progetto si fonda sul tempo della condivisione ed ha un approccio collettivo. Sostanzialmente prevede un' installazione (alla quale il pubblico è invitato a partecipare) con carte di caramelle e caramelle succhiate.

Riccardo > il progetto è di natura fotografica e lavora sul concetto dell'imprevisto e dell'errore tramite l'utilizzo di rullini scaduti e multiesposizioni.

Elisa > il progetto nasce da una riflessione sul "far niente" e sul rimandare le cose e per questo motivo non ha ancora una dimensione concreta.

Giovanni > il progetto ha come obiettivo quello di organizzare un festa fuori dal suo tempo originale. L' idea è quella di dar vita ad un Natale anticipato o posticipato, con la partecipazione di anziani e veneziani.

Valentina > il progetto nasce da una riflessione sull'opera come regalo e ha come obiettivo principale quello di creare una rete di relazioni.

Enrico > il progetto parte da un ragionamento sulla memoria ma è concretamente ancora da definire.

Ho provato nei migliore dei modi a trascrivere la sintesi dei progetti. Mi scuso con i diretti interessati per eventuali lacune ed errori.

Roberto F.

Creare il desiderio in base delle idee

2009-11-20T15:03:00.003+01:00

Si è vivacemente discusso sull'opera "The End" di Ragnar Kjartansson, l'artista che ha rappresentato l'Islanda alla 53° Biennale di Venezia. La mostra presenta tre componenti: un'installazione, una performance (che si svolgerà durante tutta la durata della Biennale) e delle proiezioni video.
Kjartansson ha creato una sorta di atelier d'arte in cui ogni giorno nasce un nuovo quadro che raffigura sempre lo stesso modello. I visitatori possono così osservare la spontanea crescita della produzione dei quadri ed anche il cambiamento inafferrabile dello spazio stesso. L'idea della progressiva crescita dell'opera è centrale: i primi spettatori non poterono 'coglierla' come gli ultimi, perchè ne videro solo un inizio. L'artista ha volutamente allargato la prospettiva che l'opera d'arte includerebbe. Mentre aumentano i quadri, aumenta anche la quantità delle bottiglie di birra sul pavimento, i tubi di colori utilizzati, l'odore della trementina, etc. Tutto l'inseme presenta una compatta coerenza.
A questa metodologia piuttosto aperta si contrappongono la completezza formale e la sinteticità dei quattro video. I due protagonisti musicisti (uno dei quali l'artista stesso) suonano i diversi strumenti nei posti più insoliti: il pianoforte viene ad esempio suonato su una montagna completamente bianca, oppure, semplicemente, si fischia sotto l'albero coperto di neve.. Tutti i quattro video creano un' unica melodia diligentemente programmata in ogni sua
componente.

Le riflessioni sono partite dal fatto che l'opera stessa, per lo meno l'atelier d'arte, presenta allo spettatore un’attesa che rimarrà per sempre incompiuta. Si coglie dell'opera un momento preciso, che richiede un ulteriore completamento. Utilizzando il concetto di allargamento, la pittura è stata utilizzata come pure mezzo artistico e non come punto d'arrivo, come da tradizione. Senza opporsi, senza antagonismi verso la pittura, Kjartansson è riuscito a liberarla dalla condizione di opera d'arte "finita" riducendola a puro mezzo. Facendo questo l’artista si trova in una doppia situazione: fare pittura quasi come non facendola. Dipingere pensando alla pittura creata e nello stesso tempo guardarsi da fuori come se si fosse un estraneo. Essere se stessi e contemporaneamente non esserlo. Creare un dentro ed un fuori. Questa preformance pittorica porta in sè un' incompiutezza che non cessa mai. La metodologia voluta è quella di creare un proseguimento che potrebbe continuare successivamente. L'opera ritorna se lasciata aperta. E' l'inizio di una fine che non si compierà mai. Questo processo crea una condizione di serialità, sollevando la problematica di come un’opera di tal tipo potrebbe essere venduta nel mercato dell’arte. Kjartansson non concepisce i quadri prodotti come merce ma li prende piuttosto come un'esperienza. Di conseguenza allora, sarebbe forse possibile proporre lo stesso prezzo per i quadri e le lattine, considerandoli entrambi parti costitutive della stessa esperienza? Il fatto di vendere potrebbe forse diventare uno strumento d'indagine se lo mettessimo in un discorso critico (lattina=quadro)? Per abitudine si considera la vendita obiettivo principale. Kjartansson ha dunque messo in evidenza il pregiudizio che il fine sia il commercio, che l’opera prodotta trovi il suo compimento solo nel momento della sua vendita. La commerciabilità dell'opera non è uno strumento puramente negativo, ma lo diventa quando si fa obiettivo di base.

N.Vasiljevic

Agamben, che cos'è il contemporaneo

2009-11-10T21:21:00.001+01:00

Ciao a tutti!
Vi metto il testo di Agamben sul contemporaneo in jpg, ho iniziato a caricare dall'ultima pagina!
A giovedì
paola

Agamben, che cos'è il contemporaneo

2009-11-10T21:02:00.002+01:00

Agamben, Che cos'è il contemporaneo

2009-11-10T20:54:00.003+01:00

Ciao!vi metto in jpg il testo di Agamben sul contemporaneo!
Ciao
Paola

Testi

2009-11-10T19:09:00.002+01:00

Testi da leggere:

Testo del curatore Okwui Enwezor: http://dl.dropbox.com/u/891695/Okwui.Artforum.doc

Daniel Birnbaum, Cronologia

Antonio Negri e Michael Hardt, testo uscito su Artforum, Ott 09

2009-11-10T16:06:00.001+01:00

http://www.youtube.com/watch?v=4iLkZMCZNmc

so che è fuori tempo massimo, ma me l'hanno linkato 5 minuti fa e mi ha fatto venire in mente la valleé!
iacopo

Playlist scelta fino adesso

2009-11-10T01:08:00.009+01:00

Mark Lewis - Dawn and Dusk (2008)

Radiohead - Street Sprit

Sigur Ros - Hoppípolla

Lucy Tzac Tzac

http://www.youtube.com/watch?v=SRS-XNTVusI

DA confermare:
Four Tet

Copy Shop

Space Odissey

http://www.youtube.com/watch?v=Bl-vtVuimZo

Progetto per il corso

2009-11-06T15:58:00.003+01:00

Ciao,
questo è il progetto per la mostra di fine corso: se avete voglia di partecipare mandatemi una mail a ornaghiland@hotmail.it
oppure chiedetemelo di persona.
Grazie!

Valentina Ornaghi & Claudio Prestinari

La proposta che facciamo è strettamente legata al concetto di opera regalo.
L’opera si stratifica in divenire mutando di mano in mano.
Ci recheremo a casa di chi ci inviterà per donare un nostro lavoro, in partenza sarà una fotografia che ritrae il momento in cui, nel settembre 2009 a Skopje, abbiamo regalato, per caso, una parte di un’opera a dei bambini che la desideravano.
Catturare il momento in cui il destinatario riceve il regalo diviene la nuova opera da regalare. Lo scambio è duplice: in cambio di un’opera viene donato del tempo, a partire da un’ora. Questo tempo è necessario a sviluppare il prossimo lavoro, prendendo ispirazione dalle relazioni che si creano e dall’esperienza che si verifica con gli ospitanti, anche tenendo conto di eventuali collaborazioni.
Il tipo di documentazione può cambiare di volta in volta: una nuova fotografia, un video, un testo scritto ecc. in un continuo rimando, una sorta di catena, di albero genealogico. Ogni opera è riproducibile tante volte quante le persone che la richiedono in regalo.

http://www.1hart.net/projects.html

LEZIONE 19 OTTOBRE

2009-11-04T19:04:00.001+01:00

Gilles Deleuze (Parigi 1925 – Parigi 1995) è stato un filosofo francese, ritenuto tra i più influenti del XX secolo e tra i più prestigiosi esponenti della Nietzsche-renaissance che, insieme allo strutturalismo e al pensiero di Jean-Paul Sartre, caratterizzò il pensiero filosofico francese del secondo dopoguerra. In ragione dei suoi lavori Differenza e ripetizione (1968) e Logica del Senso (1969) Michel Foucault disse che “un giorno, forse, questo secolo sarà chiamato Deleuziano”.
Gli scritti in collaborazione con lo psicoanalista e psichiatra Félix Guattari quali; Capitalismo e schizofrenia, L’Antiedipo e il più tardo Millepiani , tendono ad una sorta di analisi del funzionamento delle istituzioni, viste alla luce dei rapporti di potere che esse sviluppano con individui e società e rendono in maniera esplicita il pensiero di Deleuze su questi argomenti cioè la critica alla psicoanalisi che è totalizzante, perché cataloga i comportamenti umani.
Deleuze crede che sia possibile organizzare il linguaggio in un Rizoma, con il termine rizoma (rizhome) i francesi Deleuze e Guattari intendevano un particolare modello semantico da opporre a tutti i modelli basati sulla concezione di albero (imperanti in tutte le discipline, dalla linguistica alla biologia). Il modello ad albero prevede una gerarchia, un centro, e un ordine di significazione. Nell'albero i significati sono disposti in ordine lineare. Invece, secondo gli autori, a differenza degli alberi o delle loro radici, il rizoma collega un punto qualsiasi con un altro punto qualsiasi, e ciascuno dei suoi tratti non rimanda necessariamente a tratti dello stesso genere, mettendo in gioco regimi di segni molto differenti ed anche stati di non-segni. (…). Rispetto ai sistemi centrici (anche policentrici), a comunicazione gerarchica e collegamenti prestabiliti, il rizoma è un sistema acentrico, non gerarchico e non significante ..." (Gilles Deleuze e Félix Guattari, Mille piani. Capitalismo e schizofrenia (1980).
Deleuze nei suoi scritti si interessa ad altri autori quali Spinoza, Foucault, Bergson, Hume, Leibniz e Nietzsche, mettendoli in relazione tra loro e osservando i vari filoni di pensiero.
Si interessa anche alla relazione tra nozioni quali : Differenza, Evento, Senso. In modo più ampio anche a tre concetti fondamentali per la vita dell’uomo che sono la Scienza, la Politica e la Cultura.
Egli si oppone a Kant nella sua critica del giudizio, quando afferma che solo la ragione trova un senso ad ogni cosa e ad ogni esperienza, e che il sublime è fuori dall’ idea di ragione.
Deleuze afferma che solo l’esperienza ci può offrire gli stimoli per nuove idee agendo sulla logica del senso.

abcd

Un film intervista articolato per 8 ore di colloquio su vari concetti trovati in base alla regola cronologica alfabetica . Ad esempio la lettera A è riferita agli animali, in particolare Deleuze parla dei gatti per i quali non ha una fascinazione particolare, mentre ama però lo stare in agguato dell’animale in genere, che equiparerà ad un atteggiamento mentale. E anche quando arriverà alla lettera C, intesa come cultura egli parlerà dell’amore per il cinema e per l’incontro inatteso che si può avere con qualcosa di straordinario, andare al cinema per Deleuze è una sorta di appuntamento con il caso, stimolo per nuove idee. Mentre la lettera B è esplicitamente relativa al suo problema personale con l’alcool infatti la intende come il bere, qui mette a nudo la sua debolezza credendo che stravolgere lo stato mentale potesse indurlo a nuovi pensieri filosofici fantastici: solo dopo capì che era uno sbaglio. Anche con la lettera E, Deleuze ci regala un ricordo personale perché la intende come Infanzia, inizia così a narrare i ricordi che lo avvicinarono alla scuola e alla cultura. Ancora troviamo la lettera L, per letteratura, N, come neurologia e così via. L’Abécédaire si conclude con la lettera Z, di zigzag. Tra queste, in successione alfabetica, stanno concetti quali «desiderio», «resistenza», «tennis», «viaggio» o filosofi quali Kant e Wittgenstein. Per ogni lettera sta un'idea, un concetto, una folgorazione o una semplice passione del grande filosofo. Il risultato è una meravigliosa testimonianza di pensiero, un'incredibile ostinazione al pensiero, con intelligenza e simpatia Deleuze risponde a molte domande che sono testimonianza anche del suo personale vissuto. Le otto ore di conversazione sono proposte in 3 DVD. Sono suddivise in 25 concetti chiave ai quali si può accedere per lettera o tramite una lista di argomenti. Poiché Deleuze finisce col parlare tanto di filosofia quanto di politica, di cinema o musica contemporanea, di sport o letteratura ogni spettatore non può che restare ipnotizzato di fronte a tanto carisma, tanta limpidezza espositiva e tanta chiarezza di pensiero. E lo stesso Deleuze non presuppone in alcun modo che chi lo stia ascoltando e guardando sia uno specialista delle sue opere o un filosofo. In quest’unica e ultima opera video egli consegna a tutti il proprio testamento filosofico. Poiché, come ha sempre sostenuto, la filosofia non si rivolge ai filosofi.

2009-11-03T23:30:00.000+01:00

http://rapidshare.com/files/302043525/Agamben.pdf.html

2009-11-03T23:12:00.002+01:00

Ragazzi/e non sapendo come fare l'ho uplodato con Rapid Share... Speriamo vada tutto a buon fine. Se doveste stamparlo ricordate di impostare due pagine per pagina se no ve lo stampa gigante perché la qualità è alta...

Enrico

Sonic Youth Sunday

2009-11-03T19:03:00.001+01:00

Prospettive aperte sulla contemporaneità

2009-11-03T18:17:00.006+01:00

Ciao a tutti!!ecco qui il teesto di Agamben da scaricare, la mappa con le parole legate alla contemporaneità e l'invito che vi abbaimo rivolto a lezione. Aspettiamo le vostre risposte!!!
Paola
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Prospettive aperte sulla contemporaneità

“La contemporaneità è quella relazione col tempo che aderisce ad esso attraverso una sfasatura e un anacronismo.“

“[..] essere puntuali a un appuntamento che si può solo mancare”
(G. Agamben)

Affrontando un’ indagine sul tempo non lineare ci si scontra necessariamente col tema della contemporaneità.
Certamente si tratta di una nozione cui si tende a far riferimento sempre più spesso, nei contesti più disparati, sulla base di esigenze differenti e distanti tra loro.
L’ appellarsi di continuo a questo concetto, il suo “essere sulla bocca di tutti” porta effettivamente a riflessioni fertili o si corre forse il rischio di svuotarlo di ogni senso, rendendolo un termine fine a se stesso?
Il contemporaneo sfugge a ogni definizione univoca e si presenta, a chi provi a indagarne il contenuto, un universo quanto mai sfrangiato, multiforme, aperto alle interpretazioni.
Consapevoli della costitutiva inafferrabilità di tale concetto, abbiamo deciso di avventurarci su un terreno assai sdrucciolevole per cercare di portarne in superficie gli aspetti peculiari ed aprire nuove problematiche e interrogativi, in un confronto che ci auguriamo essere dinamico e sempre aperto.
Vi porgiamo dunque un invito, un appuntamento per condividere idee, progetti, divagazioni sul contemporaneo partendo dal bisogno di approfondire il senso che ne abbiamo e indagare le modalità attraverso le quali siamo arrivati a farlo nostro e le nostre esistenze vi prendono parte.
Per fornirvi alcuni stimoli presentiamo una mappa, provvisoria e aperta a nuovi interventi, con alcune delle parole-chiave che a nostro avviso caratterizzano la condizione di contemporaneità.
Accoglieremo qualunque tipo di suggestione, pensiero, iniziativa, messaggio, intervento artistico, testo critico e poetico, progetto musicale e qualunque altra cosa pensiate possa far crescere questa riflessione condotta insieme.
Tutto il materiale che verrà condiviso nel prossimo mese sarà raccolto e presentato in un’ occasione espositiva e in una pubblicazione al termine del laboratorio di Cesare Pietroiusti.

Playlist

2009-11-03T10:34:00.003+01:00

Usain Bolt 9"58 WR - 100 metri - Mondiali Berlino 2009

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Meshes Of The Afternoon,( maya deren)
Caricato da zohilof. - Film, serie e spettacoli Tv

Wrong - Depeche Mode

A San Francisco Time Lapse from MACAFRAMA on Vimeo.

Nowa Ksiazka - Zbigniew Rybcznski

A Needle Woman by Kim Sooja (30 seconds silent short)
Caricato da OUTVIDEO. - Guarda video esclusivi per il web

Lezione 18/10/09 - Deleuze 'La logica del senso'

2009-11-01T18:01:00.003+01:00

Per Deleuze la filosofia è la creazione dei concetti. Non si tratta quindi di un'elaborazione metafisica che renda conto della totalità del reale, quanto di un'apertura di senso per determinati concetti, che normalmente nell'uso quotidiano manca. La logica del senso, in questa direzione, prende in esame il concetto di 'senso', inteso nella maggiore ricchezza dei suoi significati: in quanto direzione, significato, sensibilità, senso comune o buon senso.

C'è un metodo che prende in prestito il modello dell'albero, con un tronco e i rami, le radici, che si ramificano o si riuniscono in questo tronco unico, ma c'è anche un altro metodo, o un altro modello: quello dell'erba. Il metodo di Deleuze è quello di far emergere su una sorta di mappa topologica alcune direttive, o isole, che possano mostrare delle nuove connessioni, nuovi modi di intendere un concetto. Per le prime due serie della logica del senso queste isole sono propriamente Alice e Attraverso lo specchio di Lewis Carroll, Platone e gli Stoici. Deleuze vuole mostrare una nuova logica, una 'scienza del ragionamento' che poggi sul paradosso, su un modo non convenzionale di dare un senso (un significato, una direzione) alle cose.

Prima serie

(Non bisogna intendere i concetti di evento, divenire e, naturalmente, senso nell'accezione quotidiana, secondo il così detto buon senso). L'evento e il divenire. Ciò che succede ad Alice sono eventi puri. Un evento puro non riguarda mai una distinzione in un presente, in cui accade, un passato, in cui non c'era, e un futuro, in cui cessa. L'evento si dà in, anzi propriamente è, un divenire. Il divenire non fa differenza di passato presente e futuro, non distingue neppure una direzione, ma afferma contemporaneamente i due sensi di un evento: divenire grande per Alice vale come divenire non più piccola. Alice non è, Alice semplicemente diviene (come per Deleuze la questione non è considerare l'essenza delle cose, bensì i concetti nel loro divenire).

Platone stesso, dietro il classico dualismo idea-cosa (: idea come archetipo cui le cose fanno riferimento, ad esempio nell'idea astratta di sedia si rispecchiano tutte le sedie particolari esistenti), mostra questo dualismo più profondo, fra le cose e il loro divenire puro, che contesta l'idea di un essenza ponendo come alternativa il puro mutare di tutto.

Sia per Alice che per Platone il riferimento è il linguaggio, questo divenire puro si comunica attraverso il linguaggio: nel Cratilo di Platone è l'etimologia delle parole che continua a rimandare ad altre parole, indefinitamente, senza possibilità di una definizione che non sia passaggio ad altro; per Alice il suo continuo divenire, nella successione degli eventi che le capitano, è un affare di giochi di parole, di parole-eventi, più vere delle cose che semplicemente sono, che contestano tutte l'identità, l'essenza permanente: il nome proprio di Alice. "Chi sei tuuu?" chiede il bruco "oddio signor Bruco. Sono cambiata così tante volte oggi...". Se, in ultima analisi, è il linguaggio stesso a idealizzare l'infinita verietà di tutto, distinguendo in nomi ('Alice'), in categorie ('uccelli' o 'pesci'), in cause e conseguenze ('perciò', 'perché'...), in passato presente e futuro (i modi e i tempi verbali, 'ieri', 'ora'...), è ancora attraverso il linguaggio che ci è restituito il concetto di divenire puro dell'evento, attraverso i verbi di puro divenire, gli infiniti, quelle parole che solo cambiano e non possono essere possedute da alcuna cosa, ma solo divengono ('cambiare', 'crescere'...).

Il paradosso di questa prima serie è "innanzitutto ciò che distrugge il buon senso come senso unico" (attraverso il concetto di evento, di divenire), ma anche ciò che distrugge il senso comune come assegnazione di identità fisse.

2009-10-29T17:40:00.001+01:00

http://www.youtube.com/watch?v=Q9myaiQs3GI

Lezione 22/10/2009 - l'archivio come grande contenitore del sapere ma anche...

2009-10-27T21:30:00.003+01:00

...come grande celebratore del caos, della dispersione, e del tempo che non può essere misurato in modo lineare, consequenziale.

Artisti che lavorano con l'archivio dell'arte e che basano il loro fare su qualcosa di precedente riattualizzando dei gesti artistici, e delle forme artistiche con un distacco cronologico. Lavoro nel campo dell'appropriazione: Sherrie Levine. After Walker Evans, (ha rifotografato la foto di Walker Evans: con questo gesto annulla il tempo, chi non ); Fountain after Duchamp, (rifatto l'oggetto di Duchamp in oro e argento). Non lavora solo nell'archivio ma anche negli oggetti. Levine trasformando l'oggetto in un materiale molto prezioso sta capovolgendo il gesto di Duchamp, che originariamente si basava su un oggetto industriale.

Bruce Nauman, The artist as a Fontaine.

Lavoro sulla memoria e sull'archivio dell'arte e come riattualizzare continuamente delle opere.

Jeff Wall, in Picture for Women, 1979, lo fa vedere in modo esemplare, fa vedere il gioco con lo specchio riproponendo il sistema creato da Manet nel 1882 per creare profondità. Strategie che Velazquez usa nelle Meninas.

Passando dall'artista che in modo più o meno diretto lavora sull'archivio della storia dell'arte per iniziare a lavorare nel massimo esempio di catalogazione del sapere che è il dizionario. L'archivio dove cè la massima catalogazine ma anche una grande dispersione può essere l'enciclopedia o il dizionario. E viene in mente Joseph Kosuth, che lavora spesso sulla creazione di tautologie. Una parola del dizionario che definisce se stessa: l'idea.

Una e tre sedie: l'artista che lavora sul modo di archiviare il sapere e il diverso modo di relazionarsi alla memoria, e all'oggetto. L'opera vuole essere mostrata ogni volta nuova, la foto deve essere distrutta e rifatta ad ogni nuova mostra.

Douglas Huebler (1924 – 1977). ha lavorato spesso sull'idea di variazioni minime di immagini, giocando sul segreto, su ciò che si sa e su ciò che non si sa. Foto di persone che io non so chi sono, che mi fanno pensare a qualcuno che voi non sapete chi è; sull'idea di ricerca senza sapere bene cosa trova e senza far capire bene all'altro che cosa sta guardando. Muovendosi in questa ambiguità di una creazione di spazio sospeso in cui non si riesce mai a capire che tipo di ricerche sta praticando l'artista e dove vuole arrivare.

Diluizione di tempo, di sapere, di referenze tra immagine, abbiamo a posteriori altri artisti che continuano le loro ricerche nello stesso campo, creando delle immagini che sono facilmente riconoscibili.

Pierre Bismuth, galleria Sonia Rosso. Lavora con l'immaginario popolare, colettivo, come determinate creazioni sono appropriate e assimilate. The jungle Book. Lavorando sull'idea dell'archivio ha preso tutte le versioni possibili del jungle book della walt dysney, ha scelto la migliore interpretazione di voce per ognuno dei personaggi, e ha creato un nuovo film, in cui ogni personaggio parlava in una lingua diversa. Analisi della cultura popolare visuale.

Figure di neoconcettuali; Pierre, fa omaggio a Douglas, usando pubblicità di giornali.

Pino Pascali, il mare 1967. Patrizio di Massimo: pelo e contropelo. Ha utilizzato il formato video e documentario per documentare che ruolo ha avuto la figura di Pino Pascali. Di come utilizzare il medio del video per creare un lavoro artistico attraverso il documentario.

L'annullazione delle differenze del tempo, la diluizione. Un campione dell'impossibilità dentro uno spazio artistico. Creazione di un'evocazione.

Simon Starling, Franco Noero, Flagra, mostra sulla macchina; il catalogo era la riproposizione del manuale della macchina con modifiche da parte dell'artista.

La creazione di un opera in cui diversi tempi sono messi insieme, anche se questo non è il tema centrale dell'opera; l'artista fa un viaggio e va da una parte all'altra, per cambiare questa automobile, e per permettere una riattualizzazione di questa automobile. L'oggetto diventa la materia prima per la produzione di un archivio sulla storia dell'oggetto.

Uklanski Piotr. Raccolta di attori che nella storia del cinema che hanno interpretato il ruolo di un generale o personaggio Nazi. Lavora tantissimo sulla cultura popolare, usando gli stessi medium della cultura popolare. Crea questo micro archivio di un elemento totalmente non reale che è quello della messa in scena di un personaggio che però appartiene ad un passato recente della storia europea; un archivio per riflettere su un clichè dell'immaginario popolare.

Jonathan Monk. Neo concettuale; lui però molto spesso lavora non sulla creazione di idee, ma rifacendo operazioni concettuali ripartendo da operazioni concettuali previamente fatte. Prende ispirazione da operazioni concettuali già fatte, o idee concettuali.

Lui è andato in Afganistan a cercare informazioni sulla casa di Boetti; ha fatto poi una mostra a Roma con tutti i documenti che è riuscito a portare da questo viaggio.

Jonathan Monk e Sol Le Witt; prende il cubo incompleto e lo modifica; però funziona solo tra quei quattro gatti che conoscono la storia dell'arte.

Lui ha creato una serie di appuntamenti, con un luogo specifico, un'ora e una data; giocando con la possibilità evocativa dell'arte, e la possibilità di creare qualcosa che si estendeva e aveva un esistenza e si estendeva oltre il livello di spazio e di tempo rispetto a quello che era stata costituita. Lasciando nell'aria un invito, e una domanda: ci sarà qualcuno? Un appuntamento senza nessuno scopo definito.

Lavoro sull'idea di archivio più didascalico e diretto come l'artista inglese 1978 Jamie Shovlin. Presenta un enorme archivio di un gruppo musicale underground di Berlino anni 70, i LustFaust; presenta tutto quello che lui ha trovato di questo gruppo. Un gruppo di cui nessuno aveva mai sentito parlare. Quello che c'era dietro era la costruzione di un enorme finzione. Ha dimostrato la possibilità dell'artista di lavorare sul limite tra finzione e realtà, creando della memoria.

Questo gruppo è diventato reale, ha preso forma, ed ha partecipato ad Artissima, uno del gruppo era proprio l'artista.

Ha creato anche un enorme archivio di una bambina, Naomi W. Relish, che in teoria era scomparsa, aveva creato un enorme muro, un enorme archivio, messo come i teenagers al muro, lavorando sulla costruzione di una memoria inesistente, e su un tempo che era molto indefinibile. Non si capiva che tipo di personaggio c'era dietro. Questa bambina non è mai esistita e ovviamente non è mai scomparsa. Ha creato un sito web di questa bambina, con tutto raccolto, di questa bambina mai esistita. Tutti elementi che contengono in sé tutta la possibilità di esistenza, vivono in latenza, virtuali, nella frontiera tra finzione e realtà.

Ibrido tra artista e curatore che utilizza le metodologie dell'archivistica, c'è Olaf Nicolai, fratello di Caster Nicolai. A Roma nel 2007, ha lavorato su l'archivio di una figura di Maria Colao, che aveva la galleria Primo Piano. Ella aveva un archivio impressionante di opere e di artisti. Olaf ha deciso di catalogare tutta la sua biblioteca, creando un enorme archivio. Lui ha fatto un corso per diventare bibliotecario, poi ha celebrato la questione dentro la casa museo dello storico dell'arte con degli interventi minimi; ha inserito immagini che sono molto diluite con lo spazio, non sono shoccanti. Le immagini sono immagini tratte da libri che lui ha trovato, o immagini di lettere della gallerista con altre persone.

Toute la mémoire du monde, un film documentario di Alain Resnais, sull'archivio che tende alla perdita. Il percorso di un libro che fa da quando arriva a quando viene ad essere catalogato...

2009-10-27T12:05:00.001+01:00

http://www.youtube.com/watch?v=khx-VkVSIOQ&feature=channel

Lista di Film

2009-10-21T20:20:00.001+02:00

Il Sorpasso - Dino Risi
Weekend - JL Godard
The Passenger - M Antonioni
Stranger Than Paradise - Jim Jamush
Morire Gratis - Sandro Franchina
Y Tu Mama Tambien - Alfonso Cuarón
Il Posto delle Fragole - Ingmar Bergman
Straight Story - David Lynch
Easy Rider - Dennis Hopper
La Vallee - Barbet Schroeder

Solaris - Andrei Tarkowski

Programma del Corso

2009-10-21T19:45:00.002+02:00

Esperienze non-lineari e non convenzionali del tempo.

DURATA – RIPETIZIONE – DIFFERIMENTO – ATTESA

1) Importanza dell’elemento della durata nella performance art: la quantità (di tempo) che diventa scarto qualitativo

Riferimento: Tehching Hsieh e le one-year performances

2) Ritorno, ripetizione, possibilità combinatorie

Riferimenti: Raymond Queneau, Esercizi di Stile

Chris Marker, La Jetée

3) Il differimento, la promessa, l’annuncio

Riferimenti: Secret Piece di Robert Barry e The Halifax Files di Mario Garcia Torres

4) Noia e attesa. L’assenza di senso nel tempo che passa e il suo rovesciamento nel contrario

Riferimenti: Samuel Beckett, En attendant Godot;

Dino Buzzati, Il deserto dei Tartari

John Cage, 4’33” ; Merce Cunningham, Stillness e Tacita Dean, Merce Cunningham performs STILLNESS (in three movements) to John Cage’s composition 4’33’’ with Trevor Carlson, New York City, 28 April 2007

Oltre alle opere indicate come riferimenti saranno proposti per letture di gruppo e ricerche individuali brani dalla seguente bibliografia

Agamben, Giorgio, Il Tempo che resta. Un commento alla Lettera ai romani, Bollati Boringhieri, 2000

Agamben, Giorgio, L’uomo senza contenuto, Quodlibet, 1994

Birnbaum, Daniel, Cronologia, tempo e identità nei film e video degli artisti contemporanei, Postmedia, 2007

Deleuze, Gilles, Cinema. Vol.1: L’Immagine-movimento, Ubulibri, 1993

Deleuze, Gilles, Cinema. Vol.2: L’Immagine-tempo, Ubulibri, 2004

Deleuze, Gilles, Logica del Senso, Feltrinelli, 2005

Nietzsche, Friedrich, Così parlò Zarathustra, Rizzoli, 2008

Trotsky, Lev, Opere scelte. Vol. 8: La Quarta Internazionale: la rivoluzione permanente, Editore Prospettiva, 2006

Parallelamente, per tutta la durata del corso si svolgerà un seminario dedicato al tema di: immagine/tempo/movimento nel cinema. Saranno proiettati un film a settimana sul tema del viaggio (in automobile) e sull’attesa di un evento che non si verifica. La lista completa dei film sarà fornita dai docenti in apertura di corso.

Gli studenti saranno invitati a proporre un’idea progettuale su uno o più dei temi affrontati nel laboratorio. Se possibile, alla fine del corso si darà vita ad un evento di presentazione dei lavori svolti, o in fase di svolgimento. Tale evento sarà aperto al pubblico.

Lezione 15/10/09

2009-10-19T21:37:00.003+02:00

Tema della lezione è stato il lavoro di Roman Opalka, artista di origini polacche nato nel 1931 e tuttora vivente. Opalka è noto per il lavoro, iniziato nella meta degli anni sessanta e che sta proseguendo tuttora, che consiste nel dipingere su tele a sfondo nero di dimensione 196x135 cm i numeri interi in successione a partire dal numero 1. Le tele, che Opalka chiama "Details", hanno tutte lo stesso titolo: "1965 / 1 – ∞"

I numeri vengono dipinti con colore bianco su una base nera; al nero di base viene aggiunta una percentuale di bianco dell'1% ad ogni passaggio alla tela successiva: in questo modo i numeri bianchi tendono sempre più a confondersi con il colore di fondo della tela fino a diventare illeggibili; alla fine di ogni tela Opalka realizza un autoscatto di sé stesso con una camicia bianca.

A partire dal 1968 Opalka associa alla performance una registrazione audio in cui recita in polacco i numeri che sta dipingendo.

Al seguente link trovate la traduzione di un testo in R. Opalka spiega alcune peculiarità del suo lavoro:

aperture-rivista.it/public/upload/Opalka4.pdf

Abbiamo poi visto insieme due video sl lavoro di Opalka all’autore.

L’idea base del lavoro di Opalka è la visualizzazione del tempo, con alcuni punti di contatto con le performance di TEHCHING HSIEH: l’immobilismo, il rinunciare a nuove idee, la scelta di non-fare...

Opalka cerca una modalità per creare un’opera che possa rappresentare la durata della sua esistenza, che sia una letterale rappresentazione della sua vita. Dichiarando di essere seguace di Parmenide. Opalka cerca di esprimere la vita con una durata pura attraverso una sequenza di numeri che non vanno intesi come cifre ma come segni: segni non di una semplice successione numerica ma di un tutto in espansione. Per esprimere la vita è richiesta continuità non variazione: la variazione è aneddottica. Dichiarare di ispirarsi allo sfumato di Leonardo da Vinci è un’evidente affermazione della non-finitezza dell’opera.

L’opera è nel suo insieme non finita e solo la morte dell’autore può porre fine all’opera; nel dettaglio però il suo lavoro è maniacalmente finito: Opalka non si mette mai in viaggio se non ha terminato una tela e quando si trova lontano dallo studio prosegue la sequenza di numeri disegnandoli su un foglio e al suo ritorno in studio riprende dal numero a cui è arrivato.

Lezione 12/10/2009

2009-10-19T14:53:00.002+02:00

Dibattito sul futuro dello IUAV.
Invito generale all’assemblea che si terrà lunedì 19 ottobre presso i Magazzini Ligabue.

Stesura di uno schema generale (frutto di un brainstorming), dove i termini riconducibili all’idea di Tempo, si pongono in relazione fra loro.

Abbiamo preso in osservazione una performance di Cesare Pietroiusti del 1996, svoltasi al Louisiana Museum di Copenhagen.

Pietroiusti ha chiesto a sette persone (conoscenti,amici)di sesso maschile della sua età,quali oggetti si sarebbero portati appresso se avessero dovuto passare una giornata in un museo.
Raccolte le liste ha recuperato i materiali e ha vissuto nello spazio espositivo per una settimana (quella antecedente all’inaugurazione) esclusivamente con gli oggetti ‘consigliati’ da queste persone.
L’esperienza si è consumata in totale solitudine. Solo una macchina fotografica,posta al limite della sala,ha documentato la disposizione dell’abitazione anomala.
Aperta la mostra, al pubblico non rimaneva che seguire il tragitto segnato dai resti di questa singolare avventura.

Durante la performance, l’artista si è trovato a rivivere la vita dei suoi amici:sottoponendosi ad una perdita totale di sé,per abbandonarsi ad un accumulo sistematico di personalità.

2009-10-17T19:53:00.001+02:00

tabella parole del 12/10/2009

Lezione 13_10_2009

2009-10-16T14:24:00.002+02:00

4'33"

Discussione sul pezzo 4'33" di John Cage.

In particolare si è analizzata una sua esecuzione per orchestra realizzata dalla BBC Symphony Orchestra diretta da Lawrence Foster.

Si è sottolineato come il pezzo voglia essere una pura durata senza contenuto, un tempo svuotato dall'obbligo di contenere un suono. E proprio la sua vocazione all'essere apparentemente vuoto lo rende capace di accogliere tutti quei rumori a cui solitamente non si presta attenzione, il battito del cuore, il fruscio di un velluto sulla sedia, il respiro nostro e dei vicini. Nella creazione di questo suono i ruoli di esecutore e ascoltatore vengono condivisi, e non possono fare altrimenti. Siamo tutti una grande orchestra quando ascoltiamo (o eseguiamo) 4'33". La forza di questo "silenzio" riesce a travalicare anche la compresenza fisica di esecutore/ascoltatore: tutti noi, nella nostra aula, pur non sedendo in platea, mentre ascoltavamo e guardavamo l'esecuzione della BBC Symphony Orchestra stavamo eseguendo una particolare esecuzione di 4'33" , quella del 13 Ottobre 2009, a Venezia, nei Magazzini Ligabue, alle 17 e qualcosa, un'esecuzione unica e irripetibile.

Il pezzo, essendo stato scritto con notazione musicale su uno spartito, include le pause come parte integrante dell'opera, sebbene la sostanza fra movimento e pausa non cambia, sempre di silenzio si tratta. Cambia invece la ricezione negli spettatori, come abbiamo riscontrato nel video: la tensione e l'attenzione cresce durante l'esecuzione e si sfoga nelle pause con colpi di tosse, cambi di posizione, ce, per poi tornare ad aumentare durante il silenzio "di spartito".

Teoria delle Stringhe

2009-10-11T20:38:00.002+02:00

Questo è il video che racconta in modo semplice la teoria delle stringhe, vi metto solo il primo gli altri sono di seguito perchè i pezzi sono numerati in progressione.

http://www.youtube.com/watch?v=3vV8b5UIhmc

da Wikipedia

http://it.wikipedia.org/wiki/Teoria_delle_stringhe

http://it.wikipedia.org/wiki/Teoria_delle_superstringhe

Ciao, a domani

Valentina O.

Logica del Senso

2009-10-09T23:42:00.003+02:00

Potete scaricare qui le due prime serie della Logica del Senso di Gilles Deleuze, da leggere per la settimana del 19.10.
Il testo originale è stato pubblicato nel 1969 e consiste in una serie di 34 paradossi in cui il filosofo francese cerca di determinare il valore del senso e del non-senso e la loro pertinenza per il pensiero. È un testo fondamentale per capire la definizione di tempo in Deleuze e soprattuto il suo concetto di 'evento'.
Dopo il pensiero di Agamben sul presente tra passato e futuro e dopo la necessità di Chris Marker in creare dei 'bucchi nel tempo' (come se il tempo fosse un velo), questo testo di Deleuze introduce una terza coordinata in un tentativo di definire il tempo e, soprattuto, il presente.
F.

Lezione del 5/10 e del 6/10

2009-10-09T14:48:00.003+02:00

Questa settimana abbiamo analizzato L’Angelo Malinconico, ultimo capitolo del libro L’Uomo senza contenuto (1970) di Giorgio Agamben, filosofo italiano influenzato dal pensiero di Heidegger e di Benjamin .

Tra le sue pubblicazioni ricordiamo Homo sacer (1995), testo in cui viene fatta una distinzione tra la zoe, ossia la vita nuda nella sua essenza animalesca, e la bios, una vita più raffinata, e Stato d’eccezione (2003), libro che tenta di fornire una lettura storica e di analizzare le ragioni e il senso dello stato d’eccezione.

Agamben ci fa notare prima di tutto come Walter Benjamin consideri la citazione una forma portatrice di un senso nuovo, che smette di far parte del passato, provocando un’interruzione di linearità e contribuendo alla definizione di un presente inatteso.

Un desiderio di Benjamin era quello di realizzare un libro composto soltanto di citazioni, una sorta di readymade letterario, progetto che verrà concretizzato anni dopo da Kosuth nel libro giallo Purloined.

La citazione può essere ricondotta alla figura del collezionista, uomo che raccoglie oggetti di diversa provenienza secondo un puro gusto personale, li ricontestualizza e li fa diventare vivi; questa figura è associabile a quella di un rivoluzionario, “per il quale l’apparazione del nuovo è possibile solo attraverso la distruzione del vecchio”.

Così la riproducibilità, che per Benjamin ha un’accezione negativa, non distrugge l’aura e l’unicità dell’oggetto, ma ne aumenta il valore, facendolo diventare inafferrabile.

La citazione e la collezione sono elementi che ritornano continuamente nelle pratiche della modernità; rompono con la tradizione, provocano uno choc e inaugurano un nuovo presente che ci pone in uno stato sospensione.

Agamben affronta questo “nuovo tempo” mettendo in parallelo l’Angelus Novus di Paul Klee, un quadro in cui un angelo ha il viso rivolto al passato ma è trascinato da una tempesta verso il futuro, e un’incisione di Durer in cui una creatura alata guarda con lo sguardo assorto davanti a se.

Se l’Angelus Novus è l’angelo della storia, quello malinconico di Durer è l’angelo dell’arte, una creatura sospesa in una dimensione atemporale, che mette in armonia l’impossibilità dell’uomo di inquadrarsi tra il passato ed il futuro.

Alla luce di questa considerazione sorge spontanea una domanda: l’angelo dell’arte svolge, ma soprattutto vuole assolvere a questa funzione?

Proseguendo nel testo abbiamo notato come il “tempo” di Agamben sia diverso rispetto a quello di Deleuze, pensatore francese per il quale esiste solo il presente come estensione temporale che accompagna i gesti dell’uomo: i corpi esistono nello spazio e lo spazio esiste nel tempo.

Nel testo Millepiani (1980), Deleuze, ci parla del destino come di ciò che accade simultaneamente in diversi presenti, e quindi in diversi piani di esistenze. Questi eventi, non avendo qualità fisiche, sono eventi puri che non sussistono nel tempo ma possono soltanto persistere e ripetersi.

Link alle immagini:

http://www.minerva.unito.it/Theatrum%20Chemicum/Pace&Guerra/Arte/Immagini/Klee/AngelusNovus.jpg

http://www.swimmingonweb.net/abruzzo/Escher/durer.jpg

La Jetée di Chris Marker (1962)

La Jetée è un medio-metraggio ambientato nella Parigi del terzo dopoguerra, uno scenario apocalittico in cui un gruppo di scienziati sperimenta viaggi temporali usando come cavia da laboratorio un uomo che riscoprirà il suo passato.

La particolarità di questa produzione cinematografica sta nella scelta di un montaggio che sconvolge radicalmente la sintassi filmica, poiché non ci troviamo di fronte a un vero e proprio filmato in movimento, ma ad una sequenza di fotografie accompagnate da una voce fuori campo.

Il tipo di montaggio scelto da Marker rappresenta una delle possibili strade per scardinare la linearità del tempo, infatti nonostante la sua staticità, genera in noi un meccanismo mentale inconscio che ci porta ad associare fra loro le immagini e a creare un’illusoria continuità visiva.

L’esercito delle dodici scimmie (1995) di Terry Gilliam è ispirato a La Jetée.

J. G. Ballard su La Jetee

2009-10-08T12:56:00.005+02:00

Ciao a tutti!

Vi mando un testo del pensatore e scrittore inglese J. G. Ballard (1930-2009) sulla Jetée di Chris Marker. È stato pubblicato nella rivista di fantascienza inglese New Worlds in 1966.

lezione 01-10-09

2009-10-06T02:17:00.001+02:00

terza lezione: TEHCHING HSIEH

TEHCHING HSIEH (Sam) è un artista newyorkese originario di Taiwan, il suo lavoro consiste in sole 6 opere, sei performance che durano vent'anni (1978-1999).

cit. "Non importa ciò che faccio, io passo il tempo."

nel 1978 comincia la prima delle sue 5 performance della durata di un anno (un anno è una misura base per il conteggio del tempo, la terra impiega un anno per girare intorno al sole - rivoluzione):

"Cage Piece" prevedeva che l'artista rimanesse per un anno rinchiuso in una gabbia di legno all'interno del suo studio, munito solo di una coperta, un letto e un lavandino. Per la durata dell'anno egli non avrebbe avuto il permesso di parlare, leggere, guardare la tv o ascoltare la radio, chiuso in una stanza, in una gabbia, nella solitudine del suo pensiero, tutti gli stimoli esterni sarebbero stati ridotti a ZERO.

la seconda opera "Time Clock Piece" copre l'arco di tempo tra il 1980–1981
per un anno l'artista si è imposto di timbrare il cartellino con un orologio meccanico ogni ora. L'obliteratrice da ufficio all'interno dello studio è lo strumento comunemente usato per scandire le ore di lavoro in fabbrica, il fatto che si trovi nel luogo in cui si suppone egli debba "creare" è una scelta che parla della frustrazione del "fare" artistico, porta a riflettere sulla ripetizione del gesto che porta all'alienazione, allo stesso modo anche sulla volontà di certificare continuamente la propria presenza. L'opera è documentata da una macchina da presa 16mm che catturava un'immagine di Hsieh ad ogni obliterazione, il risultato è un film che contiene tutti questi istanti messi in successione, il tempo di anno in 8765 frammenti che si consumano in pochi minuti.

Nel 1981–1982 abbiamo "Outdoor Piece".
Hsieh stabilisce che per la durata di un anno non avrebbe potuto stare in un luogo chiuso da un tetto, l'esatto opposto di "Cage Piece". L'opera è documentata da un video documentario della vita di strada dell'artista, alcune foto, gli inviti dei 4 vernissage che sono avvenuti durante la performance in luoghi all'aperto della città, e le mappe dei percorsi che percorreva ogni giorno, appuntate con report e riflessioni su ciò che accadeva nella giornata. Purtroppo la Performance non potè concludersi,la polizia obbligò l'artista ad entrare in un commissariato senza prestare troppa attenzione alle sue proteste.

In "Rope Piece" (1983-1984) Sam rimane legato per un anno all'artista Linda Montano con una corda di 8 piedi allacciata alla vita. I due non dovevano avere nessun tipo di contatto fisico per la durata della performance.
I due prima dell'inizio dell'opera non si conoscevano, hanno dovuto imparare a condividere tutti i momenti quotidiani anche i più intimi, senza che questo li portasse ad essere per forza più intimi, la vicinanza fisica non è sinonimo di vicinanza emotiva.

In "No Art Piece" (1985–1986) lo statement prevede che l'artista non faccia arte o si occupi di arte per un anno.
Ovviamente il paradosso è che l'opera d'arte si compia nel suo "non-farsi". Mentre nelle altre One-year performance abbiamo un atto quasi agonistico, uno sforzo fisico ai limiti della mortificazione, questo lavoro mette in evidenza meglio delle altre il punto critico del fare artistico: l'artista si limita a vivere e questa e la sua opera.
La scelta di stabilire una durata nel tempo dell'esistenza è un po' come mettere una cornice alla vita, come scattare una foto.

La sesta performance, quella con cui Sam si è congedato dal mondo dell'arte ritenendo il suo percorso concluso,

inizia nel 1986 quando annuncia che il contenuto del lavoro sarebbe stato reso pubblico dopo 13 anni, il 1 gennaio del 2000. Quel giorno lesse finalmente un documento che diceva “Io, Tehching Hsieh, sono sopravvissuto”. La regola era quindi quella di doversi mantenere in vita all'inizio del nuovo millennio.

http://www.one-year-performance.com/

qui di seguito un imitatore del time clock piece

http://www.youtube.com/watch?v=6B26asyGKDo

Reckoning with Empire

2009-10-02T12:28:00.003+02:00

Ciao!

Vi volevo dire che 'e appena uscito sul nuovo numero di Artforum un testo scritto da Okwui Enwezor (un critico, curatore e professore di storia dell'arte molto interessante, direttore della Documenta di Kassel XI, nel 2002 e attuale curatore della Biennale di Sevilla) su Commonwealth, il nuovo libro di Antonio Negri e Michael Hardt, che esce questo mese.

'E un testo difficile, ma sopratutto molto interessante. Eccolo qui.

Buon weekend,

seconda lezione: Quanto la nostra concezione del tempo è condizionata dallo spazio?

2009-10-02T03:24:00.008+02:00

Seconda lezione Martedì 29 Settembre:

La domanda da cui siamo partiti è: Quanto la nostra concezione del tempo è condizionata dallo spazio?

Spazio e Tempo orientano e organizzano tutto il nostro pensiero.
Si iniziò a pensare alle varianti Spazio Tempo già nel '400 con l'invenzione della Prospettiva, teoria che tentò d'interpretare ed ordinare la realtà creando un percorso preciso.
Il filosofo di fine '700, Immanuel Kant, ha analizzato queste due categorie trascendentali definendole come elementi attorno ai quali si struttura la possibilità stessa del pensiero.
Spazio e Tempo sussistono anche in assenza di realtà umana la quale ne viene inevitabilmente condizionata: è perciò impensabile vivere al di fuori di questa categoria.

L'antropologo Victor Turner nel suo libro Antropologia della performance, afferma che la prospettiva inaugura tutta l'epoca moderna, rivoluzionando l'interpretazione della realtà.
Il principale aspetto che caratterizzò tale rivoluzione culturale fu quella di rendere il mondo misurabile e razionalizzato, ordinando tutti i campi possibili, dalla produzione all'economia, dalla medicina all'arte.

Molto spesso alla rappresentazione del tempo, nello spazio si fa corrispondere un linea, ma tale immagine è una forzatura è un spazializzazione del tempo. Infatti la durata dell'esperienza del tempo non è coerente con misurazioni di tipo lineare.
Perciò il tema centrale di tale corso è l'esperienza emotiva-soggettiva del tempo che risulta essere non coerente con la sua misurazione oggettiva.

Il concetto di uguale non esiste. Il termine uguale è logico ma appartiene alle relazioni logiche, invece le relazioni dell'esperienza sono approssimative non si accostano perfettamente.

Galileo disse:" Tutto ciò che si puo' misurare rende misurabile tutto ciò che non lo è".
Da questa affermazione sorge il problema dell'impossibilità di misurare il mondo.
Al fine del lavoro artistico a noi non interessa quale sia giusto o sbagliato, ogni teoria deve entrare ed essere manipolata all'interno del progetto artistico, mettendo in discussione ogni certezza relativa.

Misurare significa rappresentare una differenza tra oggetto che misura e soggetto misurato.
Infatti già Hiddenberg, fisico nucleare, affermò che qualunque atto di misurazione di per sè modifica il risultato finale dell'esperimento.
Tale fenomeno è chiamato OBSERVER DEPENDENT :sono tutti quei fenomeni in cui l'osservatore influenza l'osservato.
Questo concetto è molto importante perchè tutti i fenomeni relazionali dell'arte relazionale rientrano in questa categoria.
Risulta perciò difficile distinguere l'opera dal pubblico, quest'ultimo infatti influenza l'opera e non ne è più estraneo.

Turner nel sul libro introduce anche il concetto della performance, dove gli attori sono in posizione consapevole dell'essere osservati, spostando l'attenzione sul processo. L'attenzione verso la performance porta alla processualizzazione del tempo, ovvero verso l'attenzione e non tanto alla numerabilità, quanto agli eventi singolari che avvengono durante il processo nel tempo della performance.

Oltre al processo è importante la contestualizzazione.

Fenomeni di esecuzione: modo in cui noi eseguiamo l'atto linguistico che è specifico. Si distinguono due livelli, il primo è per tutti, mentre l'altro livello è infinito ed è caratterizzato da tanti fenomeni.
Sono appunto quei processi che possono essere analizzati ma non possono essere previsti in anticipo ed hanno a che fare con le modalità soggettive dei soggetti.
L'attenzione di questi fenomeni sposta la nostra spazializzazione del tempo astratta verso un tempo di fenomeni di esecuzione umani reali ma non misurabili.
Turner associa il concetto di performance ad una nuova interpretazione del tempo che diventa da spazializzato e misurabile a processuale, nel quale non contano più le misure ma i fenomeni di esecuzione.
Ad esempio si puo' affermare che l'opera d'arte non è finita nella mostra, ma l'opera inizia nella mostra, oppure l'opera è alla fine della mostra.

Conclusioni:

Dare importanza a fenomeni di esecuzione (incidenti eventi impevedibili) non significa non organizzare la performance nei criteri di partenza, anche perchè solo se io organizzo la performance ho la possibilità di organizzare un processo.
I parametri vengono decisi dall'attore che segue tutto il suo progetto e i parametri di esecuzione accettano l'imprevedibilità che si manifesta e devia le linee del suo progetto iniziale.
Perciò SI' ai fenomeni di esecuzione NO all'entropia.

auronda 1/10/09

Testo da leggere

2009-09-30T18:56:00.002+02:00

Ciao a tutti!
Vi mando il link per il testo di Giorgio Agamben da leggere per lunedi prossimo.

Potete scaricare il testo qui.

Il testo 'e questo:

Giorgio Agamben, L'uomo senza contenuto, capitolo decimo, "L'angelo malinconico". Quodlibert, Macerata, 1994.

Buona settimana!

Filipa

Montaggio e ripetizione

2009-09-30T00:25:00.007+02:00

Ciao a tutti.

Da quello che ho capito, Jacopo voleva creare un link a questo sito: Three Frames a proposito di montaggio e ripetizione.

Su questo tema vi suggerisco di guardare questi video come esempio:

Ballet Mecanique (1924) di Fernard Leger:

Il lavoro del cineasta austriaco Martin Arnold (Vienna, 1959):

O il lavoro video di Miguel Soares (Lisbona, 1970):

Un testo importante dal punto di vista teorico sulla ripetizione 'e il saggio Il Riso di Henry Bergson (1859-1941).

Oltre ad essere un filosofo fondamentale per analizzare il rapporto con il tempo e la durata (il tema centrale della sua filosofia), Bergson in questo piccolo saggio riflette su come la ripetizione di un gesto rende l'uomo simile a una macchina o a un mecchanismo e come questa situazione 'e comica (Bergson compara questo attegiamento con Il Diavolo a Molla: "Noi tutti abbiamo giocato [...] col diavolo che esce dalla sua scatola. Lo si schiaccia ed ecco si raddrizza; lo si ricaccia più in basso ed esso rimbalza più in alto, lo si scaccia sotto il coperchio ed esso fa saltare tutto" (p. 46) scrive Bergson, e propone subito dopo un'osservazione che ci spiega perché un simile gioco possa far ridere un bambino: "E' il conflitto di due ostinazioni, di cui l'una puramente meccanica finisce ordinariamente per cedere all'altra, che se ne prende gioco" (ivi, p. 47)).

benvenuti!

2009-09-28T20:50:00.001+02:00

questo post è la prova che ci conferma l'esistenza e la persistenza del blog in rete.
continueremo ad usarlo anche quest'anno accademico 2009-2010.

francesca e valeria

Si è diffusa la voce che faremo un rave

2008-12-12T14:51:00.002+01:00

A conclusione del laboratorio del CLaSAV-IUAV tenuto da Cesare Pietroiusti e Filipa Ramos, proponiamo il progetto:
SI E' DIFFUSA LA VOCE CHE FAREMO UN RAVE...
Una passeggiata a tappe che si svolgera' nella notte fra il 19 e il 20 dicembre 2008.
Ad ogni tappa corrisponderanno uno o più interventi artistici e ogni opera sarà visibile in un preciso lasso di tempo. I luoghi che saranno toccati dal percorso sono: Magazzini del Sale, Ristorante Corte dell'Orso, Fondazione Claudio Buziol, Stazione Ferroviaria Santa Lucia, Porto Marghera, e altri, sia pubblici che privati.
La scelta d'intraprendere un percorso in notturna risponde alla volontà di ribaltare i tempi e i luoghi canonici di fruizione dei circuiti artistici e inoltre di sfruttare la condizione atemporale caratteristica della notte veneziana.
La tematica affrontata dal laboratorio e quindi anche quella dei lavori di SI E' DIFFUSA LA VOCE CHE FAREMO UN RAVE... verte sulla dialettica capire/non capire.
La natura sperimentale dell'approccio, l'unica possibile, ha permesso di licenziare dei tentativi, che tuttavia non si sottraggono alla pretesa di proporsi come opere d'arte.

Questa e' la traccia di massima del percorso:

> 15:00 Porto Marghera
> 17:00 Piazzale Roma
> 18:00 Stazione Venezia Santa Lucia
> 19:00 Negozio
> 20:00 Canareggio (casa privata)
> 21:00 Fondazione Claudio Buziol
> 22:00 Metri Cubi
> 23:00 Ristorante la tana dell'orso
> 1:00 Bar Genovesi
> 2:00 Magazzini del Sale
> 6:00 Mercato Ortofrutticolo

L'invito e' aperto al pubblico e l'aggregazione libera ad ogni momento e in ogni tappa del percorso.

Please don't leave me/Please leave Britney alone

2008-11-26T02:42:00.002+01:00

... Bas Jan Ader ("I'm too sad to tell you" - 1971) VS Chris Crocker ("Leave Britney alone" - 2007) ...

buona visione
Andrea

2008-11-17T02:08:00.002+01:00

Scusate il ritardo...finalmente pubblico gli appunti su Zizek.
Sull'"Internazionale" del 7/13 novembre c'è un'articolo di Zizek sulla sanguinosa quanto ambigua guerra civile di cui è vittima il popolo congolese, che inizia con questo breve spunto:

"C'è una vecchia storiella su un gruppo di antropologi che si inoltra nel cuore della Nuova Zelanda in cerca di una misteriosa tribù. Hanno sentito dire che qui si esegue una danza della morte con tanto di maschere e di legno. Finalmente, una sera, arrivano presso la tribù, spiegano cosa stanno cercando e vanno a dormire.Il mattino seguente, gli abitanti del villaggio eseguono la danza che risponde a tutte le aspettative degli antropologi, che tornano soddisfatti alla civiltà e scrivono una dettagliata relazione sulla loro scoperta. Purtroppo, però, qualche anno dopo la stessa tribù viene visitata da un'altra spedizione, che scopre la verità: gli indigeni avevano capito che gli ospiti volevano assistere a una terrificante danza della morte, e il loro spiccato senso dell'ospitalità li aveva indotti, per non deluderli, a lavorare tutta la notte per fabbricare le maschere e provare la danza inventata per accontentare i loro ospiti. Insomma, gli antropologi avevano creduto di assistere a un rituale esotico e bizzarro, ma in realtà quelli che erano stati messi in scena in maniera frettolosa e improvvisata erano solo i loro stessi desideri."

Sintesi della lezione di lunedì 3 novembre 2008

Visione del lungometraggio “The pervert’s guide to cinema” (2006), di Slavoj Zizek, filosofo e studioso di psicanalisi sloveno, docente della European graduate school di Leuk-Stadt e ricercatore all'Istituto di Sociologia dell'Università di Lubiana.
Questo film propone un’analisi dettagliata, ad un secolo dalla loro formulazione, dei concetti cardine della psicoanalisi freudiana. Zizek rivela allo spettatore la presenza di determinati elementi simbolici in alcune scene di varie pellicole (più o meno note, più o meno recenti), sottolineando come, all’interno di esse, questi simboli favoriscano una chiara lettura in chiave psicoanalitica dei loro contenuti.
Punto di partenza di questa ricerca è il tema del desiderio (“The problem is: What we desire…”). Per Zizek infatti nessun desiderio è spontaneo, al contrario esso è indotto dall’esperienza cinematografica. Nella prima sequenza che il regista-narratore sottopone alla nostra attenzione, riconducibile ad un vecchio film, probabilmente degli anni trenta, vediamo protagonista una giovane donna che osserva ammirata alcune scene (uno chef che prepara cibo raffinato, un’elegante coppia di ballerini…) che si stanno svolgendo su un treno, il cui effetto di scorrimento suggerisce l’idea di uno spazio separato, distaccato, di un livello superiore (Zizek parla di“magic level experience”) rispetto al quale la donna, come spettatrice, è messa in condizione di desiderare quel lusso, quelle situazioni a lei evidentemente estranee.
Si parte da questo presupposto, dunque, ciò che ci viene mostrato (dal cinema, dalla televisione, dalla pubblicità...) sarà ciò che desidereremo; le immagini, le azioni a cui assistiamo ci dicono che cosa desiderare.
Il secondo spunto di riflessione ce lo offre la famosa scena di Matrix in cui Morpheus mostra all’incredulo Neo le due pillole…“e la terza pillola?”, la domanda di Zizek è provocatoria e al tempo stesso plausibile: in tale ottica lo psicologo colloca il desiderio a metà strada tra la realtà e il simbolico, il fittizio, cioè l’immaginario, o, nel caso specifico, nel mondo narrato e vissuto attraverso il cinema.
Due film ampiamente trattati , The Birds (1963) e Psycho(1960) di Alfred Hitchcock, ci danno la possibilità di schematizzare sinteticamente la “suddivisione” freudiana della psiche umana in diversi strati: in Psycho ad esempio, Zizek individua una rappresentazione simbolica di questo sistema tripartito nei piani della casa, dove il piano terra indicherebbe l’Ego, il primo piano, luogo in cui “risiede” la madre del protagonista, il Superego e lo scantinato, naturalemente, l’Id, il territorio più oscuro e, appunto, sotterraneo della nostra anima. Tale sistema è osservabile allo stesso modo nella caratterizzazione dei fratelli Marx: Groucho/Superego; Chico/Ego; Harpo/Id. Si sofferma in particolare sul carattere fanciullesco di Harpo, completamente muto, solo apparentemente tonto, è infatti il più scaltro nell’architettare scherzi e imbrogli che mettono in evidenza la sua furbizia quasi gratuitamente perfida, irrefrenabile. Fa così la sua comparsa anche il tema della Libido, una forza interiore, nascosta e costretta nel corpo che la possiede, o meglio, da cui il corpo è posseduto: dove il corpo cede, affiora questa energia latente, scatenandosi talvolta mostruosamente.
La Libido si può manifestare, secondo l’interpretazione di Zizek, nelle più svariate forme: in Alien (1979) di Ridley Scott, sotto forma di alieno appunto, ma anche sotto forma di voce. Esempi di “traumatic possession of the voice” sono indicati nel celeberrimo “Esorcista” (1973), nel film di Fritz Lang “The testament of Mr.Mabuse” (1922) ma anche in uno dei capolavori di Chaplin, in cui la voce del“Grande Dittatore”, che risuona prima minacciosa dagli altoparlanti, in netto contrasto con il mutismo dell’umile barbiere (interpretato dallo stesso Chaplin, e dalle movenze e lo spirito ancora “a la Charlot”), finirà per tradire il temibile despota nel suo ultimo, pacificante discorso pubblico illustrato nella scena finale del film. Qui ricorre anche la musica della celebre scena del mappamondo, una “redemption music”, che rivela, rispecchia proprio il carattere ambiguo del protagonista.
“Sound is interiority”, dice Zizek.
Nella voce, come parte non fisica del corpo, si è in grado di individuare facilmente questa passione, questo conflitto, l'eterna lotta tra lo spirito e il corpo, tra l'Id e il Superego. Questo tipo di possessione è chiarissima in “Dead of Night” (1945) di Cavalcanti, in cui troviamo un ventriloquo che “uccide” il suo pupazzo per poi assumere la voce della sua stessa vittima.
Altri tipi di possessione vengono rintracciati dove alcune parti del corpo restano visibili mentre il resto del corpo scompare, come accade allo Stregatto di “Alice del paese delle meraviglie”; esempi di possessione di un certo desiderio, materializzazione di una certa passione, si possono incontrare in“Munholland Drive” (2002) di Lynch, come in “The red shoes” (1948); di un conflitto fra sé e il proprio doppio (o Alterego), nella mano incontrollabile del “Dr. Strangelove” di Kubrick e chiaramente nella trama di “Fight Club” (1999).
Vengono poi affrontati altri temi, messi in relazione alcuni luoghi, il bagno di “Psycho” con quello di “The Conversation” (1974) di Coppola, Zizek torna nuovamente a citare Lynch (l'appartamento di Dorothy dove hanno luogo i grotteschi, ridicoli abusi sessuali da lei subiti in “Blue Velvet”, del 1986) e Hitchcock (“The Birds” e “Vertigo”, che in italiano conosciamo come “La donna che visse due volte”, del 1958).
Tema largamente trattato nel documentario è naturalmente quello riguardante la sfera sessuale, che più precisamente il regista svolge interrogandosi su quale sia la funzione dell'immaginazione, sulla ragione per cui, insomma, la Libido ha bisogno di essere alimentata della fantasia.
Affrontato inizialmente da un punto di vista maschile, dove spesso la donna non esiste che come proiezione del desiderio maschile, ad esempio nel caso in cui il desiderio sia quello di ricolmare l'abisso della morte della persona amata, esemplificato dal già citato “Vertigo” e da “Solaris” (1972) di Tarkovskij: anche qui abbiamo un protagonista ossessionato dal ricordo della moglie suicida, la materializzazione di un desiderio che si fa allucinazione, di un sogno realizzato che si trasforma in un incubo reale.
A tal proposito l'analisi si concentra in particolare su alcuni di film di David Lynch, che utilizza spesso in modo freudiano il sogno per rimandare a qualcosa di perduto, nascosto o rimosso dalla realtà: questo avviene in “Blue Velvet”, “Lost Highway” (1997) e “Moonholland Drive”.
Per quel che riguarda invece il punto di vista femminile, vengono estratte e spiegate numerose scene da “Persona” (1966) di Bergmann e da “Eyes wide shut” (1999) di Kubrik, da “The piano teacher” (2002) di Haneke e dal “Film Blu” (1993) di Kieslowskij.
Si torna poi all'osservazione della realtà che ci circonda o di quella che noi crediamo di comprendere, ad una riflessione sul cinema stesso: “Dogville” (2003) di Lars VonTrier e “Alien” (1997) dei francesi Caro e Jeunet, “The wizard of Oz” (1938) e “Frankenstein” (1931), poi ancora Lynch, ancora Hitchcock...e così via, la carrellata di film è ancora lunga, gli argomenti toccati molteplici, la visione del documentario, lasciata in sospeso a lezione, sicuramente faticosa ma comunque interessante.

Playlist: Neon

2008-11-13T22:35:00.002+01:00

Ciao a tutti!
Qui trovate il sito di Playlist, organizzato da Neon a Bologna, di cui vi parlavo ieri.
Aspetto i vostri suggerimenti.
Filipa

JABBERWOCKY DI LEWIS CARROLL

2008-11-04T12:19:00.003+01:00

Qui avete il testo su JABBERWOCKY di Lewis Carroll.
F.

Erich Fromm - Intervista

2008-11-03T23:15:00.001+01:00

2008-10-27T17:57:00.001+01:00

The Dark Side of the Rainbow

2008-10-26T22:17:00.002+01:00

Ok, ora mi avete convinto! Sembra che sia anche una cosa parecchio famosa... ignoranza mia...

Buona Settimana!

Filipa

2008-10-26T18:38:00.002+01:00

Lezione del 13/x/2008
scusate il ritardo

Nella prima parte della lezione è continuata la lettura de Il carattere di feticcio della musica e la regressione dell'ascolto di Adorno.
Nel terzo libro de La Repubblica di Platone l'autore si scaglia contro un certo tipo di musica che si proporrebbe come dannosa nei confronti della società; si tratterebbe della musica "d'evasione" antiautoritaria e antimitologica, che si esprime andando a toccare la sensorialità e le corde più intime dell'animo e che scaturisce dalla soggettività.
Platone le contrappone, e ritiene invece degna, la musica "mitologica" ed eroica, di stampo militare che invece ha una tensione più sociale e sopratutto più disciplinante.
Secondo Adorno, attraverso vari mutamenti, si è arrivati a uno stato in cui l'espressione affermata della musica "d'evasione" si è invertita diventando strumento di un sistema autoritario, scalando però a un livello prettamente commerciale; quella musica che permetteva l'ascesi è componente prima della reificazione musicale.
Nella seconda parte della lezione si è presa in considerazione un idea del nostro collega Jacopo, interessato a sviluppare l'influenza dell'alcol nella percezione dell'arte contemporanea.
In questa ottica si è posta all'attenzione la possibilità di proporre un' opera artistica che si esprima attraverso il pubblico.
Ad aggiungere suggestioni in questo senso è il fatto che esistano manifestazioni enologiche basate su tappe di bevuta (Enotica, Ombralonga, Maratombra), e quindi lo sviluppo dell'idea potrebbe andare verso una direttiva da dare al pubblico partecipante, attraverso tabelle etilometriche.
E' stata presa in considerazione anche la possibilità di rendere fruibile la mostra solo a un pubblico non astemio, ma questo sottrarrebbe un elemento d'osservazione neutrale che sarebbe lo spettatore dell'eventuale opera.
Meno contingenti altre impressioni, comunque riferite al bere, come la competenza enologica, ovverosia l'incompetenza inevitabilmente diffusa nel distinguere e gustare i vini, fino a sviluppi quali la produzione di vini contraffatti; quello che di solito è ritenuto certo, come per tutte le cose, è che se un vino costa molto deve essere per forza molto buono.
Altra suggestione è legata al collezionismo, ovvero l'acquisizione di vini molto costosi non finalizzati al consumo, l'intento paradossale ha portato automaticamente all'ironico pensiero di un inestimabile vino in cartone (consiglio il Bricchello) da collezione.
Dove porterà la ricerca di Jacopo? verso quali annebbiati traguardi giungerà? L'augurio è di barcollare ma non mollare.

2008-10-26T17:49:00.007+01:00

http://it.youtube.com/watch?v=7CPDmGH50YQ :

per una settimana di buonumore! francesca

LEZIONE DEL 17 OCT. 08

2008-10-23T14:46:00.002+02:00

Continuiamo la lettura del testo di Adorno, pag. 128-129.

Nel periodo post-industriale nasce la MERCE: qualcosa di alieno sia alla mano di colui che la produce (l’operaio che all’interno della catena di montaggio ripete infinitamente la stessa azione) che a quella di colui che la compra. In essa si possono distinguere il VALORE D’USO (legato alla sua funzione) e quello DI SCAMBIO (il prezzo per possederla). Il problema nasce perché quando il prodotto diviene merce il suo valore d’uso perde via via importanza mentre ne acquista il suo valore di scambio. La nuova domanda capitalistica diventa dunque :- Quanto costa?- che si sostituisce alla più logica :-A cosa serve?-. Così per assurdo assumono valore di scambio anche merci che non servono a nulla, o quasi (I-RICH, il diamante dell’ I-PHONE, un semplice disegno che appare sul cellulare), o assumono valore di scambio altissimo merci che assolvono a funzioni semplici e naturali (p.es. una sedia, ma di alto design... etc.). Alieno, alienato, è l’uomo estraneo a se stesso (Marx). Qualsiasi merce diviene un arcano, un oggetto che racchiude caratteristiche magiche e spesso indecifrabili, diverse da quelle relative al suo puro e semplice uso. Inoltre, con l’acquisto di una merce, siamo proprio noi a conferire tali caratteristiche all’oggetto che vogliamo o necessitiamo (sempre Marx). L’idolo, il feticcio, è il TOTEM (l’amico immaginario di Tom Hanks in Cast Away), un oggetto creato dall’uomo ma che assume poteri che possono arrivare a spaventarci (nel bene e nel male).

Quando l’industria è culturale, anche la cultura si trasforma in merce; è ciò che accade alla musica ma non solo. Un’arte avanzata, in campo musicale, prevede per esempio il sottrarre l’aspetto melodico alla musica, proprio come fa Shoenberg con la dodecafonia (che possiamo dire, per esempio, essere impossibile da fischiettare).

Per affrontare tale tematica “politica”, è importante dunque non solo toccare il tema in sé ma anche analizzare e studiare i mezzi ed i modi con i quali tale tematica viene affrontata, per esempio ci chiediamo che senso abbia toccare un tema come lo sfruttamento o la schiavitù ma con i modi ed i termini holliwoodiani....

Parliamo di un artista presente anche a Manifesta 08 (sede di Bolzano): Jorgen Svensson e di suoi due lavori. Il primo è l’esposizione di una serie di video di due fratelli psicopatici statunitensi che con l’intenzione di riprendere la fine della vita, filmavano le proprie vittime in punto di morte (ma saranno veri o falsi? Ma è veramente importante??). L’altra opera riguarda alcune azioni in cui l’artista invitava altri artisti o curatori famosi, dei quali, regolarmente, veniva smentita la partecipazione all’evento all’ultimo momento.

Infine vediamo l’intervista a Griffi qui presente sul blog.

Fabrizio

2008-10-23T14:46:00.000+02:00

Nelson Goodman - Vedere e costruire il mondo

2008-10-23T14:38:00.002+02:00

Avete qui il Capitolo IV: "Quando è arte?" del Libro Vedere e Costruire il Mondo (1978), di Nelson Goodman. Editori Laterza, 2008.
Se siete interessati in leggere la versione originale del testo, in inglese, qui avete tutto il libro disponibile.

F.

Laboratorio 16 ottobre 2008

2008-10-22T15:31:00.003+02:00

- Affrontando la lettura del testo "il carattere di feticcio della musica" di Theodor Adorno abbiamo avuto modo di analizzare il "principio della star", meccanismo secondo cui lo spettatore del ventesimo secolo reagirebbe all'ascolto di un'opera musicale con giudizi del tutto omogeni, regolati da criteri esterni. Tale aberrante condizione è imputabile all'industria culturale che, sfruttando la limitata capacità mnemonica umana, fonda i propri valori sulla logica della celebrità ovvero su una modalità di comunicazione che attribuisce una produzione culturale a degli individui specifici, scelti a rappresentanza di un numero più ampio di persone. La star incarna dunque un punto saldo all'interno delle strutture conoscitive di massa. Questa strategia contribuisce in modo sostanziale alla privazione della capacità di giudizio soggettivo e, di conseguenza, alla sottrazione della libertà individuale. Lo "star system" imposto dall'industria culturale crea inoltre una sensibile sproporzione tra "valori scelti" e "valori esclusi" (esempio: ricordiamo una decina di rappresentanti della pop art e relativi "masterpieces" ma gli artisti legati a quel movimento erano sicuramente molti di più e le loro produzioni comunque rappresentative dello stesso periodo storico).
Queste dinamiche corrompono inevitabilmente anche l'esperienza legata alla musica.
Sintomatico di questa situazione è la tendenza a canticchiare, ad impossessarsi di un motivo estrapolato da una melodia, da un suo tutto.
E' inoltre riscontrabile l'attuazione di particolari forme di feticismo in relazione all'idea tematico-musicale, alla voce e alle caratteristiche tecniche e storiche degli strumenti utilizzati.

- Breve parentesi sull'opera "Anna" di Alberto Grifi e sulla rilevanza politica spesso sottovalutata nel rapporto tra sceneggiatura e produzione cinematografica.

- Proposte ed idee personali o di gruppo da sviluppare durante il corso del laboratorio.

ciao, Andrea

Laboratorio 6 Ottobre 2008

2008-10-20T10:38:00.001+02:00

06/X/2008

1.situazioni in cui bisogna scontrarsi con il non capire
discussione intorno alle esperienze personali dei partecipanti al corso in merito all’esercizio:
-registro mentalmente o annoto tutte le condizioni in cui c’è qualcosa che non capisco durante la giornata, riflettendo sulla condizione stessa in cui mi mette l’esercizio, e quindi di come mi sento nella situazione di colui che registra qualcosa che non capisce ( visto che solitamente non ci si farebbe caso)

2.the apple. F.R. David. EDITORIAL. Stuff and Nonsense. Inverno 2008
(Mots et Choses)

Lettura e commento dell’articolo.

L’articolo riflette sulla tirannia della comunicazione, che da una sorta di “regime estatico” (come l’aveva menzionata Jean Bauillard) si è trasformata lentamente in una “genuina dittatura”, a cui non ci accorgiamo di essere costantemente sottoposti.
La comunicazione sembra essere diventata l’unica ragione dell’essere e le capacità comunicative sono valutate con la massima considerazione: ecco perchè desideriamo opere, mostre e istituzioni d’arte, ed esigiamo che esse si esprimano in modo chiaro e diretto. Alle volte non ci rendiamo nemmeno conto di sentirci dire esattamente quello che vorremmo sentirci dire, quasi in modo scontato e gratuito.
Deleuze e Guattari vedono nell’arte qualcosa di totalmente diverso e lontano da questo bisogno: l’arte non è una forma di comunicazione e i lavori artistici non hanno lo scopo di aumentare la cacofonia comunicativa in cui è immerso il mondo contemporaneo.
Ciò che ci attrae nell’arte è proprio l’opposto: la promessa di una possibile fuga dalle ragioni totalizzanti e omnicomprensive che fanno capo alla comunicazione, una resistenza ai modelli convenzionali utilizzati per creare un significato.
Bruce Nauman, nella sua celeberrima opera realizzata con i neon nel 1967, scrive: “Il vero artista aiuta il mondo svelando delle verità mistiche”. Il vero artista è quindi colui che rivela i non sensi e la manifestazione multisfaccettata dell’assurdo: non comunica, non aiuta a comprendere la realtà del mondo, ma riflette trasversalmente intorno a concetti, sottigliezze, “irriducibili opacità”.
John cage, con 4’33’’, mette in scena il silenzio, il contesto dell’opera, il suo vuoto, la sua parte mancante e allo stesso tempo complementare, essenziale: la sua parte non comunicativa, taciuta, ma allo stesso tempo imprescindibile, quasi fosse la sua stessa essenza.
A livello personale l’arte sembra attrarci soprattutto quando “non vuole parlare con noi” o quando “non ha niente da dire”.
Il profondo mistero delle cose è infatti legato al loro tacere, al loro silenzio, al loro non essere palesi: l’articolo si conclude con una riflessione sul “cercare di non dire niente dell’arte”.

Alla lettura dell’articolo segue una riflessione sull’esigenza della ‘produzione’ nell’arte ( e non solo della comunicazione): il fine è produrre qualcosa, l’artista subisce molte pressioni per il suo fare.
Per quanto riguarda la realizzazione delle mostre, l’attenzione si sposta dal fare alla semplice ‘comunicazione’ dell’evento, dall’oggetto artistico all’evento in sé.

Bibliografia di riferimento:

Foucault, Le parole e le cose, Rizzoli, 1998
Foucault identifica le leggi che hanno determinato la struttura del nostro pensiero.

Deleuze e Guattari, Che cos’è la filosofia?, Einaudi, 2002
E’ più importante ricercare delle verità: la loro possessione è impossibile.
“A noi non manca la comunicazione, al contrario, ne abbiamo troppa”: posiamo pensare al mondo dell’arte come ad uno spazio ermetico dove la comunicazione non deve essere per forza presente.

Jean Baudrillard, The ecstasy of Communication, 1987
La sfera del privato, dell’individuo nella società,
L’oscenità inizia dove non c’è più spettacolo: dove tutto diventa immediatamente visibile.
L’estasi della comunicazione è peggiore dell’alienazione.

Marshall McLuhan, The medium is the message, 1967
Studio degli effetti prodotti dalla comunicazione nella società e nei singoli individui. La tecnologia determina la struttura della comunicazione e modula l’immaginario collettivo, indipendentemente dai contenuti dell’informazione: “il mezzo è il messaggio”.

Gianpiero Gamaleri, La galassia McLuhan. Il mondo plasmato dai media, Armando, 1976
Professore di sociologia che introduce gli studi di McLuhan in Italia.

3.costruzione di uno schema semantico partendo dal tema del laboratorio.

Ogni partecipante al corso è invitato a scrivere su un cartellone disposto al centro del tavolo delle parole che riflettano sul tema del capire e del non capire, e successivamente a collegarle tra loro con delle frecce.

Sono emerse le parole:
patto, segreto, manifestazione, archivio, memoria, chiave, organizzazione, necessità, ordine, matematica, linguaggio, comprensione, conoscenza, traduzione, interpretazione, non contraddizione, condivisione, comunicazione, scoperta, sopravvivenza, sesso, piacere, sogno, sfumature, mistero, perduto, scarto, economia, lusso, scambio, valore.

Caterina Rossato

Anna di Alberto Grifi

2008-10-16T19:50:00.000+02:00

Ciao Mauro Corti

La Torre di Babele

2008-10-16T16:53:00.001+02:00

Articolo di Giuseppe Cantarano, L'Unità, 27 Marzo 2000.

Viene prima la parola o la cosa? (2000)

L'unità di Babele e delle sue lingue
Nel saggio del semiologo Paolo Fabbri "la storia critica dei linguaggi degli uomini, nati da sempre per raccontare le differenze degli uomini e non per separarle come vuole il mito. Perché - come diceva Heidegger - l'uomo è tale in quanto parla"

Paolo Fabbri, Elogio di Babele, Meltemi, pagine 166, lire 28.000

All'origine della nostra storia c'è la parola. La parola di Dio: "Sia la luce", è scritto nella Genesi. E "la luce fu". Soltanto dopo questa parola divina ha inizio la creazione. Le cose, per poter effettivamente essere, devono preliminarmente essere nominate. Le cose, per poter avere uno statuto ontologico, per poter essere veramente reali - hanno bisogno di essere pronunciate nella parola. In che lingua Dio ha pronunciato le sue parole, non ci è dato sapere. Sappiamo, però, che senza la parola non ci sarebbero state tutte le cose del creato. Tuttavia, nella tradizione filosofica occidentale, rovesciando l'interpretazione biblica, è prevalsa la tendenza a ritenere che nomina sunt consequentia rerum. Prima si danno le cose, dopo i loro nomi. Aristotele e Tommaso D'Aquino sono i due più autorevoli esponenti dì questo realismo filosofico.
Allora, prima la cosa o prima la parola? È un dilemma vecchio come il mondo. E altrettanto vecchia come il mondo è la ricerca dell'origine del linguaggio. Una ricerca che nel Cratilo di Platone raggiunge vertici speculativi assolutamente straordinari. Nonostante tutto, continuiamo a chiederci: perché gli uomini non parlano tutti una sola stessa lingua? Perché oggi nel nostro pianeta ci sono quasi cinquemila differenti lingue? Per colpa di Babele, si dice. I costruttori di Babele parlavano tutti la stessa lingua, quella dì Adamo. Ma la superbia trascina gli uomini a voler sfidare Dio, edificando una torre che arriva sino al cielo. Così Dio, per punire il loro orgoglio e impedire la costruzione della torre, confonde la loro lingua, in modo tale che gli uomini non possano più comprendere gli uni la lingua degli altri.
Ma Babele fu veramente una maledizione per gli uomini? Paolo Fabbri - presidente del Dams di Bologna, semiologo tra i più acuti, nonché stretto collaboratore dì Creimas - ritiene di no. Non solo Babele non rappresenta una maledizione, ma è grazie a Babele che gli uomini fanno esperienza per la prima volta di ciò che più li caratterizza: il linguaggio.
Del resto, lo diceva anche Heidegger: l'uomo è uomo in quanto parla. Fabbri propone una diversa interpretazione del mito di Babele. Una versione "nera", egli la definisce. E vero, gli uomini hanno perso la loro unità organica, hanno frammentato l'unica suprema parola. Eppure, grazie a Babele, fanno esperienza per la prima volta di un evento straordinario.
Gli uomini, per la prima volta, assaporano la differenza dei linguaggi, la loro "disparatezza". Per la prima volta gli uomini assaporano il linguaggio, "perché il linguaggio non ha senso che nella differenza dei linguaggi". I babeliani superstiti, scrive ancora Fabbri, "gusteranno la disseminazione delle lingue, delle loro differenze che si somigliano. Disparazione che può essere vissuta senza disperazione, come una difficoltà felice". Babele, dunque, non è la città della mitica unità definitivamente smarrita. Il invece quel luogo dove, proprio grazie alla confusione, è possibile tradurre reciprocamente tutte le lingue. E traduzione vuol dire innanzitutto reciproca comprensione.
Del resto, nella Babele delle nostre metropoli contemporanee, lo sperimentiamo quotidianamente nonostante la grammatica un po' sgangherata, gli uomini e le donne s'intendono. La nostra comunicazione è dunque una sorta di traduzione incessante. E nell'opera di traduzione, se guadagniamo la comunicazione, perdiamo un po' l'articolazione architettonica della lingua. Ma non è sempre detto che le lingue tradotte siano lingue più misere. Anzi, "sgrammaticare una lingua non è necessariamente impoverirla". Nella traduzione invece la lingua si rimotiva continuamente. Rimotiva soprattutto la sua arbitrarietà. Perché, in quanto sistema aperto, la lingua tende a evolvere confliggendo contro la sua arbitrarietà, Per averne una prova, basti pensare alle lingue di bricolage, come le chiama anche Umberto Eco. A quelle lingue, cioè, che nascono spontaneamente dall'incontro di due civiltà di lingua diversa. Ad esempio, i pidgin sorti nelle aree coloniali. Sono proprio i pidgin a fornire infatti una rimotivazione alla lingua nel momento in cui si trasformano in creolo.
Ma qual è il fine di questa inarrestabile rimotivazione delle irriducibili disparità delle lingue? Secondo Paolo Fabbri questo fine corre verso una futura, ma inattingibile, unità. Se alle nostre spalle c'è la città di Babele, davanti a noi c'è la sua Torre. Ciò vuol dire - secondo Fabbri - che le cose vengono sempre dopo i loro nomi. Prima la parola che la nomina, poi la cosa. Insomma, il "reale è davanti al linguaggio, non alla sua origine".

BABELE E RECIPROCITÀ: UN PERCORSO AL CONTRARIO?
di Chiel Monzone

Il termine “reciprocità”, le parti che precedono lo dimostrano, può essere declinato come dialogo, relazione, diversità di genere, sessualità, affettività, ecc. Un ulteriore modo che può essere evidenziato è quello della reciprocità connessa con gli aspetti più squisitamente linguistici e la riflessione che si intende qui fare concerne il rapporto che passa tra reciprocità linguistica e Babele.

Abbastanza noto, sicuramente, è il mito di Babele contenuto nel Vecchio Testamento (Libro della Genesi, versi 1-9), che qui sotto viene riportato:

«Ora la terra aveva una sola favella, e uno stesso linguaggio. E partendosi gli uomini dall’oriente, trovarono una pianura nella terra di Sennaar, e ivi abitarono. E dissero l’uno all’altro: Venite, facciamo dei mattoni, e cociamoli col fuoco. E si valsero di mattoni in vece di pietre, e di bitume in vece di calce: e dissero: Venite, facciamoci una città e una torre, la cui cima arrivi fino al cielo: e illustriamo il nostro nome prima di andar divisi per tutta quanta la terra.

Ma il Signore discese a vedere la città e la torre, che i figliuoli d’Adamo fabbricavano, e disse: Ecco che sono un sol popolo, ed hanno tutti la stessa lingua: e hanno cominciato a fare questa opera, e non desisteranno da’ lor disegni, finchè li abbiano condotti a termine. Venite adunque, scendiamo, e confondiamo il loro linguaggio, sicchè l’uno non capisca più il parlare dell’altro. E così il Signore li disperse da quel luogo per tutti i paesi, e cessarono di fabbricare la città. E per ciò essa fu chiamata Babel, perché ivi fu confuso il linguaggio di tutta la terra, e di là il Signore li disperse per tutte quante le regioni».

La storia di Babele ha più di un significato (peccato di presunzione da parte degli uomini, paradigma della vanità umana, punizione divina, ecc.), ma qui interessa mettere in luce quello linguistico. Sotto tale profilo Babele rappresenta uno spartiacque tra un “prima” e un “dopo”. Precedentemente la Bibbia o, meglio ancora, i rotoli biblici lo dicono chiaramente, si parlava una sola lingua, quella delle origini, la quale sembra costituire un “fondo comune” a tutti gli idiomi che successivamente si sono parlati: esso sarebbe quel che è stato chiamato Ursprache e metaforicamente indica la “volgata dell’Eden”, come afferma George Steiner in Dopo Babele.

Successivamente ai “fatti di Babele” la Ursprache si sarebbe frantumata negli innumerevoli idiomi parlati nel mondo. L’origine delle lingue è perciò la conseguenza della punizione inflitta da Dio agli uomini per la sfida da essi compiuta nei Suoi confronti (l’hybris: l’uomo, superbo, non esita a porsi contro Dio per affermare se stesso): ad ogni popolo viene assegnata una lingua particolare e mentre prima tutta la terra aveva un unico modo di esprimersi, ora gli uomini parlano lingue diverse e, inoltre, vengono dispersi e finiscono con l’occupare l’intera geografia del pianeta. Dunque è da questo atto divino che prende avvio il gran numero di idiomi esistenti e la necessità di farsi capire tra chi parla in modo diverso. La diversità linguistica – Babele – non favorisce quindi la reciprocità, a seguito della sovrapposizione di suoni (ma non solo) che comunicano pochissimo fra loro. Ne deriverebbe una coppia (“Babele/reciprocità”) che rappresenta una delle relazioni dialettiche (culturali) del XXI secolo e non solo. Tale status quo ha reso necessaria la traduzione interlinguistica affinché chi parla lingue diverse possa capirsi: se si vuole commerciare, viaggiare, negoziare, leggere, ecc., bisogna disporre di “ambasciatori” che siano in grado di comprendere l’idioma degli altri. E in tale necessità risulta evidentemente implicita l’utilità della traduzione. Ma accanto alla necessità di tradurre non si può trascurare quello che Antoine Berman chiama, in L’Épreuve de l’etranger, il “desiderio di tradurre”, che va ben al di là della necessità e dell’utilità insite nella traduzione: è qualcosa di profondo, di nascosto e conduce alla conoscenza, all’incremento del sapere inteso come insieme di cultura, di prospettive e di configurazioni diverse, oltre – si potrebbe aggiungere – alla scoperta della propria lingua e di certe sue risorse lasciate magari incolte. Come afferma Friedrich Hölderlin:

«Quanto è proprio deve essere appreso bene tanto quanto ciò che è estraneo»

La traduzione tuttavia presenta classicamente un grosso problema: l’incapacità di equivalenza, considerato che qualsiasi trasposizione da un idioma all’altro pone, spesso, insolubili problemi: pertanto la traduzione perfetta è solo una vagheggiata speranza e quello di una lingua unica è un sogno. Ma ciò non può diventare un alibi e la traduzione resta una pratica rischiosa da effettuarsi comunque; l’alternativa, altrimenti paralizzante, sarebbe la seguente: la diversità delle lingue esprime una radicale eterogeneità e la traduzione, almeno in linea teorica, è impossibile oppure la traduzione – considerata come dato di fatto – si spiega con quel “fondo comune” che rende in qualche modo possibile la trasposizione linguistica. Tale fondo comune sarebbe proprio la Ursprache, un argomento che ha suscitato grande interesse anche da parte, per esempio, di filosofi (Jacques Derrida e il «reame insieme “promesso e proibito in cui le lingue si riconcilieranno e si compiranno”»; Walter Benjamin e “l’affinità originaria”).

Quella del “fondo comune” è chiaramente una teoria “possibilista”, grazie alla quale tradurre è come scendere al di sotto delle differenze esogene ed endogene fra due lingue per andare a ricercare quegli elementi analoghi e, alla radice, comuni. Tuttavia c’è chi si spinge a negare tale possibilità: la tesi della intraducibilità è la conclusione cui sono pervenuti ad es. alcuni etnolinguisti (Benjamin Lee Whorf, Edward Sapir). Opposizioni concettuali a parte, è innegabile che la traduzione si imponga e che avvicini lingue (e culture) diverse, spesso molto distanti (in tutti i sensi) tra loro, garantendo la reciprocità comunicativa. Una osservazione attenta non mancherà, inoltre, di far rilevare come si stia da tempo verificando un fenomeno di “contaminazione” linguistica: è una delle conseguenze della globalizzazione culturale e della uniformità dei comportamenti e dei modelli che si porta dietro, cioè quella perdita della diversità tra culture – un principio così fortemente sentito in ambito comunitario europeo – che sta cambiando le “regole del gioco”. Infatti un mondo come quello attuale, nel quale non esistono pressoché più frontiere, in cui le distanze si sono ridotte notevolmente e tutti siamo a contatto con individui molto diversi, ciascuno con tratti somatici e lingue diversi – “il mondo in casa”, si può benissimo affermare –; un globo nel quale, da un lato, lo sviluppo delle nuove e rapide tecnologie della comunicazione e dell’informazione ci consente di essere informati sulle più lontane parti del pianeta e in cui, dall’altro, i mass media ci propongono produzioni e modelli multietnici e interculturali – non solo statunitensi –, un mondo dalle siffatte caratteristiche ha creato le condizioni per l’avvicinamento e il dialogo fra le varie civiltà, culture e lingue. In particolare per quel che riguarda gli aspetti linguistici, da tempo si assiste a quella “contaminazione” linguistica prima accennata: sempre più frequentemente le lingue si incontrano e si “intersecano” cedendosi a vicenda termini e locuzioni (in termini tecnici si parla di “prestiti”), arricchendosi di nuovi elementi lessicali. Il moto linguistico in questione ricorre per tutte le lingue e nessuna può dirsene del tutto esente; ciò che può variare è semmai l’intensità, cioè la maggiore o minore propensione a far propri elementi linguistici di origine straniera: a fronte di Paesi che tengono alla propria purezza linguistica (ad es. la Francia e la Spagna) ce ne sono altri (ad es. l’Italia) molto ben disposti ad accogliere termini stranieri e ad usarli, mettendo spesso completamente da parte i propri vocaboli che pur non mancano. Una rapida verifica consente di affermare come ad es. in italiano ci sia una eccessiva presenza di anglicismi: l’inglese ha messo in atto una vera e propria colonizzazione linguistico-culturale, di provenienza essenzialmente statunitense, che non riguarda però solo l’italiano, il che sta portando a un monolinguismo anglofono nella comunicazione a livello mondiale con conseguenti rischi di emarginazione delle altre grandi lingue e di estinzione di quelle minori. Oltre agli innumerevoli anglicismi l’italiano presenta anche francesismi, germanismi, ispanismi, “portoghesismi brasiliani”, degli esotismi (ad es. pochi “giapponesismi” e qualche vocabolo polinesiano), alcuni slavismi e arabismi, qualche ebraismo e altro ancora. Ma anche la nostra lingua, a sua volta, cede alcuni termini, sebbene il rapporto sia impari, ricevendo essa molto più di quel che dà, ma al di là del “chi cede a chi (e cosa)” il fenomeno in questione rappresenta una evoluzione linguistica (Ferdinand de Saussure parlava di parole che fa evolvere la langue). Da questo punto di vista Babele diviene allora un dono: la dispersione linguistica non dev’essere vista perciò solamente come una punizione divina, considerato che presenta aspetti positivi. Così la pensa Steiner, che afferma:

«Babele non è stato un disastro ma è stata una straordinaria risorsa per gli uomini. La differenza di lingue è un invito alla comunicazione»

Difatti si è trattato di un dono avendo concesso un segno di libertà: quella del linguaggio, perciò la sorpresa e lo sconcerto che il mito comporta scompaiono quando si pensa alla grande vastità di espressione, di conoscenza, e alla serie di mondi possibili e di geografie (anche della memoria) che i tanti diversi idiomi consentono. Se il linguaggio è il medium con cui si manifesta il sapere e l’esistere – «ogni lingua umana traccia una planimetria diversa del mondo», afferma ancora il citato autore – pertanto la molteplicità dei linguaggi è la libertà dell’essere/esserci. Ciò si dimostra anche nella traduzione, a ben vedere: ragionare sui costrutti, esprimere in un altro idioma un determinato concetto indica come le culture espresse nelle lingue implichino una vastità/diversità di conoscenza e, al contempo, consentano una grande libertà di movimento del pensiero sicuramente molto più dinamico rispetto al passato.

Evoluzione, si diceva poc’anzi, ma verso cosa? Verso un ricompattamento linguistico; è come se dalla frammentazione si stesse procedendo in direzione di una riunificazione, di una nuova Ursprache o, se si vuole, di un nuovo esperanto. Sembrerebbe quindi si possa affermare che si sta realizzando un lento ed inesorabile processo linguistico di senso opposto, quindi suscettibile di ritorno dal passatola presente; una sorta di Babele all’incontrario e la conseguenza di tutto ciò sarebbe che la coppia oppositiva “Babele/reciprocità” di cui prima sta venendo, forse, pian piano dissolvendosi. Se così è, ovvero se il cerchio veramente si sta chiudendo, ci vorrà sicuramente del tempo: è un procedere inevitabilmente lento e non è certo detto che ci si arriverà e, soprattutto, non è il tentativo fatto circa trenta anni fa di costruire a tavolino una lingua comune. Le lingue cosiddette “storico-naturali” sono venute determinandosi per moto naturale, involontario e lento, mentre l’esperanto ha dovuto la sua nascita a un atto voluto che non ha però sortito grandi effetti: infatti l’uso di questa specie di lingua franca ha attecchito limitatamente e riguarda un non grande numero di iniziati. Stavolta, forse, la cosa è destinata al successo e avremo una nuova lingua unica, forse la sola via per sperare in una possibile integrazione linguistica. Ciò lo si potrà dire solo fra moltissimo tempo, ma noi non saremo più qui a verificarlo.

BIBLIOGRAFIA

Derrida J., Des tours de Babel, in Teorie contemporanee della traduzione, S. Nergaard (a cura di), Bompiani, Milano, 1995 De Saussure F., Corso di linguistica generale, Editori Laterza, Bari, 1967 Ricoeur P., Le paradigme de la traduction, in “Esprit”, 253, 1999 Steiner G., Dopo Babele, Garzanti, Milano, 2004

Laboratorio 8 ottobre 2008

2008-10-13T23:21:00.001+02:00

08/X/2008

Visione dei seguenti video:

1.Joao Onofre
Casting, 2000: “Che io abbia la forza, la convinzione e il coraggio”

2.Bruce Nauman
Pinknech, 1968
Walking an exagerrated way, 1969
Stamping in the studio

3.Charles & Ray Eames
Powers of ten, 1977
(da un particolare, allo spazio infinito, all’atomo)

4.George Maciunas
07-10 feet, 1966

5.Sonic Youth

6.Georges Méliès
L’eclisse, 1907
L’uomo orchestra, 1907
(Esperimenti agli albori del cinema per testarne il funzionamento e le potenzialità, interesse per le tematiche dell’assurdo e del non senso)

7.Henry Mills
Money, 1985

8.Peter Kennedy
S/T, 1970

9.Martha Rosler
Semiotics of the kitchen, 1975
(analisi di oggetti da cucina in rapporto al ruolo della donna)

10.Martin Arnold
Piece Touchè, 1989
(edita frammenti di film classici dilatandone la durata, da 3’’ a 25’’)

11.Zbig Rybczynsky
Tango, 1970

12.Michel Gondrì

13.Negativeland
No business, 1999
(collettivo che si propone di contrastare le leggi del copyrught)

14.Vito Acconci
Open book, 1974

15.Bas Jan
Fall, 1970

16.William Wegman
S/T, 1970
(cambiare il punto di vista influisce sulla percezione)

17.Yoko Ono
One, 1965

18.Michael Snow
Waveknog, 1967
(celebrare la dilatazione del tempo: telecamera che si avvicina lentissimamente ad un oggetto)

H.U.Obrist, DO IT, catalogo:
istruzioni scritte da artisti per la realizzazione di un opera impossibile.

caterina

Laboratorio 7 Ottobre 2008

2008-10-13T23:19:00.000+02:00

07/X/2008

Visita ai Padiglioni con le partecipazioni nazionali e gli eventi collaterali della Biennale di Architettura a Venezia:

1.PORTOGALLLO
Out Here: Disquieted Architecture
Fondaco Marcello, San Marco 3415

2.IRLANDA
The Lives of Spaces
Palazzo Giustinian Lolin, San Marco 2893

3.GRANDUCATO DI LUSSEMBURGO
Point of Wiews. 4 Questions. 44 Answers.
Ca’ del Duca, San Marco 3052

4.REPUBBLICA DI SLOVENIA
Ljibljana- Venice, New Urgency for Urban Politics
Galleria A+A, San Marco 3073

5.BILLBOARD PROJECT IN THE CITY- PATRICK MIRMAN
Palazzo Malipiero, San Marco 3198

6.L’UNIVERSO DELL’ARCHITETTO. JORN UTZON
Istituto Veneto delle Scienze Lettere ed Arti, Palazzo Franchetti, San Marco 2842

Caterina

2008-10-11T16:02:00.002+02:00

Rincaro la dose, sempre con il Maestro, proponendo una sua traduzione dal Manfred di Lord Byron, per il suo Manfred, concerto in forma di oratorio.
L'estratto è l'incantesimo che gli spiriti elementali lanciano sull'esanime e inconsapevole Manfred, una maledizione che lo seguirà da lì in avanti fino alla fine dei suoi giorni:

Sia pur profondo il tuo notturno sonno
l'anima tua non potrà mai dormir
ombre vi sono che vanir non ponno
pensier che mai tu non potrai bandir
tu involto sei con un funereo ammanto
nebbia ti cinge che non può svanir.

Benché vedermi dato a te non fia
l'influsso sentirai che vien da me
siccome cosa ben visibile pria
esser deve mai sempre accanto a te
o quando nel terrore che il cor t'ingombra
volgerai nell'orma del tuo piè
sorpresa proverai che pari all'ombra
che in terra stampi l'ombra mia non è.

A Lunedì.

Nicola

2008-10-11T15:20:00.002+02:00

Ciao a tutti, inserisco di seguito uno stralcio tratto da Nostra Signora dei Turchi di Carmelo Bene riguardo il tema dell'estasi:

"Ci sono cretini che hanno visto la Madonna e ci sono cretini che non hanno visto la Madonna"[...]
"Vedere o non vedere la Madonna," enunciò ancora una volta l'ammalato, "è il tema".
Li intrattenne a lungo sulla storia di Frate Asino; San Giuseppe da Copertino, guardiano di porci, si faceva le ali frequentando la propria maldestrezza e le notti, in preghiera, si guadagnava gli altari della Vergine, a bocca aperta, volando.
I cretini che vedono la Madonna hanno ali improvvise, sanno anche volare e riposare a terra come una piuma.
I cretini che la Madonna non la vedono, non hanno le ali, negati al volo eppure volano lo stesso, e invece di posare ricadono come se un tale, avendo i piombi alle caviglie e volendo disfarsene, decide di tagliarsi i piedi e si trascina verso la salvezza, tra lo scherno dei guardiani, fidenti a ragione nell'emorragia imminente che lo fermerà.
Ma quelli che vedono non vedono quello che vedono, quelli che volano sono essi stessi il volo.
Chi vola non si sa. Un siffatto miracolo li annienta: più che vedere la Madonna, sono loro la Madonna che vedono.
E' l'estasi questa paradossale identità demenziale che svuota l'orante del suo soggetto e in cambio lo illude nella oggettivazione di sé, dentro un altro oggetto.
Tutto quanto è diverso,è Dio. Se vuoi stringere sei tu l'amplesso, quando baci , la bocca sei tu.
Divina è l'illusione. Questo è un santo. Così è di tutti i santi, fondamentalmente impreparati, anzi negati. Gli altari muovono verso di loro, macchinati dall'ebetismo della loro psicosi o da forze telluriche equilibranti- ma questo è escluso-.
E' così che un santo perde se stesso, tramite l'idiozia incontrollata. Un altare comincia dove finisce la misura. Essere santi è perdere il controllo, rinunciare al peso, e il peso è organizzare la propria dimensione. Dov'è passata una strega, passerà una fata.
Se a Frate Asino avessero regalato una mela metà verde e metà rossa, per metà avvelenata, lui che aveva le mani di burro, l'avrebbe perduta di mano.
Lui non poteva perdersi o salvarsi perché senza intenzione, inetto.
Chi non ha mai pensato alla morte è forse immortale. E' così che si vede la Madonna.
Ma i cretini che vedono la Madonna, non la vedono, come due occhi che fissano due occhi attraverso un muro: miracolo è la trasparenza. Sacramento è questa demenza, perché una fede accecante li ha sbarrati, questi occhi, ha mutato gli strati- erano di pietra gli strati- li ha mutati in veli. E gli occhi hanno visto la vista. Uno sguardo.
O l'uomo è così cieco, oppure Dio è oggettivo.
I cretini che vedono, vedono in una visione se stessi, con le varianti che la fede apporta: se vermi, si rivedono farfalle, se pozzanghere nuvole, se mare cielo.
E dinanzi a questo alter ego si inginocchiano come davanti a Dio. Si confessano a un secondo peccato.
Divino è tutto quanto inconsciamente hanno imparato di sé.
Hanno visto la Madonna. Santi

TV-Filter

2008-10-11T14:27:00.003+02:00

"TV-Filter allows to downsample an ongoing tv-show to 6 by 8 pixels in realtime. A translucent projection folie is mounted on a 5 cm deep cardboard grid. The color and intensity of each pixel is determined by the correspondend part of the tv screen on the backside. The different color information of each tv line get mixed to an average color value on each 4 by 4 cm pixel. In this way it is thinkable to reduce every high definition screen to a pleasant information density."

Ecco il sito del tizio

..un oggetto che tutti dovrebbero fabbricarsi e avere in casa!
iacopo

codex seraphinianus

2008-10-11T14:22:00.002+02:00

ecco uno dei pochi siti che parlano del misterioso codice..

http://www.almaleh.com/serafini-e.htm

nella pagina c'è anche un link a diverse immagini gustose.

2008-10-09T15:05:00.000+02:00

Promemoria lezione di giovedì 2/10. Laboratorio Cesare Pietroiusti

Il nostro incontro si è aperto con l’introduzione del testo di Theodor W. Adorno (Scuola di Francoforte) “Il carattere di feticcio della musica e la regressione nell’ascolto” (1938). Esso, in continuità e corrispondenza teorica con un altro scritto più tardivo “La società dello spettacolo”di Deborg, ha costituito il punto di partenza e la piattaforma per le nostre riflessioni sul tema.
All’interno della dialettica tra il “capire” e il “non capire” le tesi introdotte dal testo di Adorno appaiono illuminanti. Adorno infatti, trattando della degenerazione musicale delle masse, sostiene che tutto ciò che appare immediatamente comprensibile è quasi sempre falso; ciò accade in quanto si tende a considerare il livello superficiale della realtà generalmente più complessa e fatta di relazioni sommerse, con un operazione che è di isolamento di una singola porzione, di “apparente” comprensione di un frammento melodico (in ambito musicale). Approfondendo, se si tenta di scoprire perché possa piacere o dispiacere una canzonetta di successo, si può notare che il suo valore di merce di scambio prende il posto del valore effettivo: il fatto che piaccia è quasi equivalente al fatto che la si sappia riconoscere. A tutto ciò sono ovviamente sottesi processi di alienazione comuni alle società capitaliste, all’incapacità d’espressione dell’uomo che abita tali contesti e che è da considerarsi vittima di meccanismi simili: l’appropriazione delle merci equivale all’appropriazione del frammento melodico dunque alla sua comprensione. Quindi il processo di alienazione sembra consistere nel confinare le cose della realtà soffermandosi sull’apparenza, su un livello superficiale, invece che indagare livelli più profondi, le relazioni che le cose medesime intrattengono con tutto ciò che sta attorno in questo caso rapporti di produzione non dichiarati. È evidente come questa tesi rientri in categorie di pensiero d’impronta marxista, lo stesso può dirsi facendo un parallelismo, delle argomentazioni introdotte da Deborg nella sua “Società dello spettacolo”. La teoria di Adorno applicata alla musica trova infatti una corrispondenza in quella di Deborg riferita alla società odierna come spettacolo inteso non come un insieme di immagini ma come rapporto sociale tra le persone, mediato dalle immagini. Pure questa volta quella che non si coglie è la verità la quale risiede in uno stadio più profondo retto da dinamiche nascoste, da relazioni sociali tra individui. Pertinente a riguardo l’insegnamento di John Cage che in un intervista parla del suo modo di intendere la musica, fa riferimento piuttosto a “the sound” esplorato in tutte le sue manifestazioni e potenzialità: egli sente che quello del traffico è “active”, azione. L’opera di Cage esprime la consapevolezza di considerare la realtà, quella dei suoni in questo caso, nella sua complessità e ricchezza, interamente senza tentare di isolarne frammenti. Per fare ciò bisogna tener conto della reciproca influenza che “testo” e “contesto” operano costantemente, senza che uno possa prescindere dall’altro. Esemplare l’esecuzione di 4.33’, composta da John Cage e concepita come una performance che riconosce il “silenzio”non come privazione piuttosto come arricchimento, ciò che appare “vuoto” come in realtà pieno.
Infine pure in questo caso appare palese il richiamo alla teoria di Adorno.
Questi i concetti chiave estrapolati dalla lettura del testo preso in considerazione insieme alle considerazioni sorte.

Lezione venerdi 3 ottobre

2008-10-06T20:22:00.002+02:00

Introduzione alla figura di Guy Debord (1931-1994), scrittore, regista, attivista politico e fondatore della Internazionale Situazionista.

Brevi referenze all'Internazionale Letrista e all'Internazionale Situazionista: loro radici, idee e intenzioni.

Analisi del testo La Società dello Spettacolo (1967) di Guy Debord.
221 paragrafi divisi in 9 capitoli

Tesi: società di superficie o di rappresentazioni senza profondità: società di commodifications dove tutto è display e ha un valore di scambio associato a un prezzo.
Lo Spettacolo, per Debord, è un sistema di relazioni sociali meditato per le immagini, che si sono allontanate dalle loro posizione: Il vero è diventato Falso (Cap. I, Parag. 9)
Quindi l'immagine è apparenza, sradicata e alienata, è irreale.
La società si organizza attorno all'idea di spettacolo

Relazione con il testo di Pasolini pubblicato il 9 dicembre 1973 nel Corriere della Sera, in cui l'autore riferisce che i nuovi media, in particolare la televisione, riducono l'azione del uomo all' uomo che consuma e che cerca piacere (edonismo); estraneo all'umanesimo e alle scienze umane.
Pasolini parla di 2 rivoluzioni che hanno fatto la regressione della storia:

Le Infrastruture (strade, motorizzazione...)

I Sistemi d'informazioni (televisione, che ha assimilato le differenze di un paese ricco per la sua diversità, omologazione distruttrice)

Debord insiste che nella società dello spettacolo non è più sapere ma avere (accumulazione, archivio, capitalismo)

Identificazione tra Beni/Comodità e Ego (siamo e sapiamo chi siamo tramite le cose che abbiamo).
Cosi l'ego fa parte dello spettacolo, opposto al mondo dei pensieri e delle idee.

Lo spettacolo, nutrendo l'ego, diventa l'ostacolo all'apertura alle idee e alla comprensione: è immediato, apparente e poco profondo.

Come la spettacolarità giunge a rappresentare la strategia del capitalismo: sconfitta della politica (sia Debord che Pasolini, che sostiene che il potere della televisione e delle commodifications sono più potenti del fascismo: Nessun centralismo fascista è riuscito a fare ciò che ha fatto il centralismo della civiltà di consumi).

La Spettacolarità rappresenta la strategia del capitalismo, la sconfitta della politica e la crisi della democrazia: è un testo che segna la fine delle utopie della Modernità.

Referenze bibliografiche:

Debord, Guy, La Società dello Spettacolo, Baldini Castoldi Dalai, 2008;

Pasolini, Pier Paolo, «Contro la televisione» in Id., Saggi sparsi (1942-1973), Milano, Mondadori, “I Meridiani”, 2001, (pp. 128 ss);

Perniola, Mario, I Situazionisti, Castelvecchi, 2005.

intro lunedi 29 e lezione 30 settembre

2008-10-05T22:34:00.001+02:00

Introduzione lunedi 29 settembre e lezione martedi 30 settembre.

Il corso ruota intorno al concetto di “non capire”. Il punto di partenza è l’analogia etimologica fra “capire” e “capitale”.

In effetti CAPIRE proviene dal latino CAPERE – prendere, ma anche contenere – da cui i termini “capiente”, “capace” (abile, ma anche “in grado di contenere”), catturare etc.

CAPITALE invece deriva da CAPUT (genitivo CAPITIS), che significa testa, punto di inizio, sommità, da cui i termini “capitalismo” (possesso e/o accumulo di “capi”, di bestiame ovvero di uomini), “capitàno” (colui che comanda), “capitare” (accadere d’improvviso).

Tale analogia etimologica può far pensare al “capire” come:

1 - “fare proprio” un certo significato (notare la similarità fra attribuire una proprietà ad un evento e dargli un significato);

2 - inserirlo in un determinato contesto, ovvero definirlo, de-limitarlo, chiuderlo;

3 - uniformarlo rispetto a ciò che si conosce già;

4 - accumularlo (attribuzione di importanza alla memoria).

In opposizione il “non capire” potrebbe avere a che fare con uno stato di passività-indifferenza, ma anche con:

A - uno stato di sospensione o di tensione (desiderio);

B - uno stato di accessibilità, disponibilità.

Se quindi il “capire” è soprattutto legato al contenuto (il significato) di un determinato evento, il “non capire” è piuttosto legato ad uno “stato” del soggetto, ad una sua attitudine, quindi ad un processo. Il laboratorio tenterà di dare alle fasi e alle modalità di tale processo un’importanza almeno pari rispetto ai contenuti, ai prodotti di esso.

Presentazione del docente e della collaboratrice Filipa Ramos.

Brevi auto-presentazioni degli studenti.

Chiarimenti sulle modalità di svolgimento del laboratorio, che sarà orientato alla ideazione e realizzazione di progetti individuali e collettivi sul tema ovvero sull’esperienza del “non capire”.

Lo scopo del corso non è quello di dimostrare e nemmeno presentare una teoria; piuttosto si cercherà, con l’ausilio di testi e opere di diversi autori, di stabilire paralleli, ma anche di ricevere spunti e approfondimenti.

Alla fine della lezione gli studenti vengono invitati a compiere, tutti individualmente due “esercizi”:

1) annotare e registrare tutto ciò che, nelle 24 ore successive, “non viene capito”;

2) produrre uno o più immagini (disegni o altro) che si ritengono incomprensibili, ovvero impossibili da capire.

Pasolini - I Medium di Massa

2008-10-04T18:26:00.001+02:00

Guy Debord - La Refutation (sub ITA)

2008-10-04T18:11:00.002+02:00

4D

2008-10-04T14:58:00.004+02:00

Ecco qui quello di cui vi parlavo nell'ultima lezione, sulla 4a dimensione. Un buon esercizio sulla capacità di capire e non capire...

Filipa

Testo di Pasolini sulla Televisione

2008-10-03T13:39:00.000+02:00

Nessun centralismo fascista è riuscito a fare ciò che ha fatto il centralismo della civiltà dei consumi. Il fascismo proponeva un modello, reazionario e monumentale, che però restava lettera morta. Le varie culture particolari (contadine, sottoproletarie, operaie) continuavano imperturbabili a uniformarsi ai loro antichi modelli: la repressione si limitava ad ottenere la loro adesione a parole. Oggi, al contrario, l'adesione ai modelli imposti dal Centro, è tale e incondizionata. I modelli culturali reali sono rinnegati. L'abiura è compiuta. Si può dunque affermare che la "tolleranza" della ideologia edonistica voluta dal nuovo potere, è la peggiore delle repressioni della storia umana. Come si è potuta esercitare tale repressione? Attraverso due rivoluzioni, interne all'organizzazione borghese: la rivoluzione delle infrastrutture e la rivoluzione del sistema d'informazioni. Le strade, la motorizzazione ecc. hanno oramai strettamente unito la periferia al Centro, abolendo ogni distanza materiale. Ma la rivoluzione del sistema d'informazioni è stata ancora più radicale e decisiva. Per mezzo della televisione, il Centro ha assimilato a sé l'intero paese che era così storicamente differenziato e ricco di culture originali. Ha cominciato un'opera di omologazione distruttrice di ogni autenticità e concretezza. Ha imposto cioè - come dicevo - i suoi modelli: che sono i modelli voluti dalla nuova industrializzazione, la quale non si accontenta più di un "uomo che consuma", ma pretende che non siano concepibili altre ideologie che quella del consumo. Un edonismo neo-laico, ciecamente dimentico di ogni valore umanistico e ciecamente estraneo alle scienze umane. L'antecedente ideologia voluta e imposta dal potere era, come si sa, la religione: e il cattolicesimo, infatti, era formalmente l'unico fenomeno culturale che "omologava" gli italiani. Ora esso è diventato concorrente di quel nuovo fenomeno culturale "omologatore" che è l'edonismo di massa: e, come concorrente, il nuovo potere già da qualche anno ha cominciato a liquidarlo. Non c'è infatti niente di religioso nel modello del Giovane Uomo e della Giovane Donna proposti e imposti dalla televisione. Essi sono due persone che avvalorano la vita solo attraverso i suoi Beni di consumo (e, s'intende, vanno ancora a messa la domenica: in macchina). Gli italiani hanno accettato con entusiasmo questo nuovo modello che la televisione impone loro secondo le norme della Produzione creatrice di benessere (o, meglio, di salvezza dalla miseria). Lo hanno accettato: ma sono davvero in grado di realizzarlo?

No. O lo realizzano materialmente solo in parte, diventandone la caricatura, o non riescono a realizzarlo che in misura così minima da diventarne vittime. Frustrazione o addirittura ansia nevrotica sono ormai stati d'animo collettivi. Per esempio, i sottoproletari, fino a pochi anni fa, rispettavano la cultura e non si vergognavano della propria ignoranza. Anzi, erano fieri del proprio modello popolare di analfabeti in possesso però del mistero della realtà. Guardavano con un certo disprezzo spavaldo i "figli di papà", i piccoli borghesi, da cui si dissociavano, anche quando erano costretti a servirli. Adesso, al contrario, essi cominciano a vergognarsi della propria ignoranza: hanno abiurato dal proprio modello culturale (i giovanissimi non lo ricordano neanche più, l'hanno completamente perduto), e il nuovo modello che cercano di imitare non prevede l'analfabetismo e la rozzezza. I ragazzi sottoproletari - umiliati - cancellano nella loro carta d'identità il termine del loro mestiere, per sostituirlo con la qualifica di "studente". Naturalmente, da quando hanno cominciato a vergognarsi della loro ignoranza, hanno cominciato anche a disprezzare la cultura (caratteristica piccolo borghese, che essi hanno subito acquisito per mimesi). Nel tempo stesso, il ragazzo piccolo borghese, nell'adeguarsi al modello "televisivo" - che, essendo la sua stessa classe a creare e a volere, gli è sostanzialmente naturale - diviene stranamente rozzo e infelice. Se i sottoproletari si sono imborghesiti, i borghesi si sono sottoproletarizzati. La cultura che essi producono, essendo di carattere tecnologico e strettamente pragmatico, impedisce al vecchio "uomo" che è ancora in loro di svilupparsi. Da ciò deriva in essi una specie di rattrappimento delle facoltà intellettuali e morali. La responsabilità della televisione, in tutto questo, è enorme. Non certo in quanto "mezzo tecnico", ma in quanto strumento del potere e potere essa stessa. Essa non è soltanto un luogo attraverso cui passano i messaggi, ma è un centro elaboratore di messaggi. È il luogo dove si concreta una mentalità che altrimenti non si saprebbe dove collocare. È attraverso lo spirito della televisione che si manifesta in concreto lo spirito del nuovo potere. Non c'è dubbio (lo si vede dai risultati) che la televisione sia autoritaria e repressiva come mai nessun mezzo di informazione al mondo. Il giornale fascista e le scritte sui cascinali di slogans mussoliniani fanno ridere: come (con dolore) l'aratro rispetto a un trattore. Il fascismo, voglio ripeterlo, non è stato sostanzialmente in grado nemmeno di scalfire l'anima del popolo italiano: il nuovo fascismo, attraverso i nuovi mezzi di comunicazione e di informazione (specie, appunto, la televisione), non solo l'ha scalfita, ma l'ha lacerata, violata, bruttata per sempre.

Pierpaolo Pasolini, "Corriere della Sera", 9 dicembre 1973

Barbara Kruger

2008-10-03T13:23:00.001+02:00

Barbara Kruger
Untitled (I shop therefore I am)
111" by 113"
photographic silkscreen/vinyl
1987

Internazionale Situazionista

2008-10-03T13:13:00.002+02:00

Link per l'Archivio della Internazionale Situazionista.

4'33'' by David Tudor

2008-10-02T20:38:00.003+02:00

4'33'' di John Cage
Esecuzione di David Tudor.

A domani.
AndreaDS

Theodor Adorno: Il carattere feticcio della musica e la regressione nell'ascolto

2008-10-02T13:27:00.003+02:00

Qui potete scaricarvi il testo di Adorno: Il carattere feticcio della musica e la regressione nell'ascolto (1938).

Filipa

Introduzione FR David

2008-10-02T12:59:00.003+02:00

Ciao a tutti,

Avete qui un'altro testo da leggere, questo è l'introduzione alla edizione 'Winter 2008' di FR David, una rivista pubblicata da De Appel
Che, per chi non lo conosce, De Appel è un'istituto dedicato all'arte contemporanea, con sede in Amsterdam.
Questo testo è in inglese e sara comentato durante la prossima settimana, quindi, di nuovo, conviene prepararlo!

Filipa

UbuWeb

2008-10-02T03:11:00.003+02:00

UbuWeb (www.ubu.com) è un contenitore online che offre una vasta scelta di contributi audio e video, da registrazioni di poesia sonora ad opere di videoart. Tutto il materiale è consultabile liberamente in streaming direttamente dal sito.

Ecco un link che potrebbe interessarci, visto il contenuto del primo post!

http://www.ubu.com/film/debord_spectacle.html

Si tratta del film "La Société du spectacle" (1973), dello stesso Guy Debord.

ciao
Andrea D.S.

Testo I: La Società dello Spettacolo

2008-10-01T20:18:00.000+02:00

Ciao a tutti!
Ora che il blog è creato è il momento per attivarlo e di iniziare a usarlo. Vi invito a tutti a iniziare a inserire dei commenti: testi, video, immagini, link ecc che trovate interessanti e utili per il laboratorio.
Qui potete scaricarvi la 'Società dello Spettacolo' di Guy Debord, che leggeremo nelle prossime lezioni. Questo link è valido per 7 giorni. Vi il testo completo, che cosi chi ha voglia e curiosità può leggere quello che vuole. Noi analizzeremo in classe il capitolo I: La Divisione Perfetta, quindi è utile prepararlo, anche con eventuali domande che avete.
A domani!
Filipa